Archival Activism: Discourses through Seven Artbooks
아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론
아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론
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Left) KIm Duck Yong, 오션랩소디 Ocean Rhapsody, 2024, Mother of pearl and mixed media on wood, 50x100cm
Middle) KIm Duck Yong, 오션랩소디 Ocean Rhapsody, 2024, Mother of pearl and mixed media on wood, 50x80cm
Right) KIm Duck Yong, 오션랩소디 Ocean Rhapsody, 2024, Mother of pearl and mixed media on wood, 50x100cm
Middle) KIm Duck Yong, 오션랩소디 Ocean Rhapsody, 2024, Mother of pearl and mixed media on wood, 50x80cm
Right) KIm Duck Yong, 오션랩소디 Ocean Rhapsody, 2024, Mother of pearl and mixed media on wood, 50x100cm
Bae Bien_U, SNM3A-071, 2023, Archival pigment print, Non-glass face mount, 100x100cm
Bae Bien_U, SNM3A-074, 2023, Archival pigment print, Non-glass face mount, 100x100cm
Joo Myung Duck, 서울시청 앞, 1964, Gelatin Silver print, 14 5x21cm
Chae Jimin, Imperfect Walls and Wind Turbines, 2024, Oil on canvas, 60.6x72.7cm
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Left) Chae Jimin, Unexpected Encounter, 2024, Oil on canvas, 45.5x45.5cm
Right) Chae Jimin, Unexpected Encounter, 2024, Oil on canvas, 45.5x45.5cm
Right) Chae Jimin, Unexpected Encounter, 2024, Oil on canvas, 45.5x45.5cm
Huh Seonghee, Success 성공, 2023, Color on linen, 60.6x60.6cm
Hong Jangoh, L-AIR1120, 2024, LED라이트, 알루미늄, 황동, 망사, 타이벡천, 실, 실리콘, 40x40x32cm
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Left) Hong Jung Ouk, INFILL, 2021, acrylic color, magnet, on ash stick and shaped canvas, 60x58x7cm
Right) Hong Jung Ouk, Plano-, 2020, acrylic color on pinewood structure and circle wire, 70x70x80cm
Right) Hong Jung Ouk, Plano-, 2020, acrylic color on pinewood structure and circle wire, 70x70x80cm
Archival Activism, Installation in Obscura, 2024
옵스큐라는 오는 12월 18일부터 2025년 1월 11일까지 <아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론> 전시를 개최한다. 아카이벌 엑티비즘은 ‘기록학 실천주의(아키비즘 Archivism)’라는 뜻으로 옵스큐라가 추구하는 시각예술 아카이브의 목적을 함축적으로 담고 있는 단어이다. 작품과 작가의 자료를기록하고 정리하는 아카이브의 방향성과 방법론에 대한 고찰을 토대로 제작된 출판물을 한 눈에 살펴볼 수 있는 이번 전시는 그동안 옵스큐라와 협업한김덕용, 배병우, 주명덕, 채지민, 허승희, 홍장오, 홍정욱이 참여한다. 옵스큐라는 이번 전시를 통해 작품집이라는 매체가 단순한 기록물에 머무르는 것이아니라 작가의 창작 과정을 입체적으로 재조명한다. 작가별 각 시리즈의 주요 아이디어를 연대기순이 아닌 현재로부터 과거를 연결하는 등 작품의 본질적물음과 철학적 맥락을 깊이 있게 이해할 수 있는 ‘기록학 실천주의’의 실체적 발현이 이번 전시의 핵심이다.
아카이브는 단순한 기록의 집합을 넘어, 무수한 기록물 중에서도 가치와 의미를 지닌 것을 선별하여 체계적으로 정리하고, 이를 통해 기억을 소환하며시간을 초월하는 예술적 도구로 기능한다. 옵스큐라는 이번 전시를 통해 다양한 방식으로 구현된 아카이브의 가능성과 확장성을 탐구하고자 한다. 작가마다 고유의 접근법으로 만들어진 작품집은 단순한 기록 이상의 의미를 지닌다. 작품을 연대기 순으로 수록하며 일관성 있는 작품세계의 창작의 궤적을 보여주기도 하고, 또한 특정 시간과 시리즈를 선정하여 작품의 다층적 이미지의 결과물을 통해 본 창작물 자체의 확장성을 제시하기도 한다. 또한 인터뷰와비평문 등의 글 중심의 아카이브는 작가론을 살펴보는 중요한 수단이 된다.
배병우는 소나무 숲, 종묘, 창덕궁 등 한국적 공간을 배경으로 자연과 인간, 시간과 공간의 본질을 시각적으로 표현해왔다. 그의 작업은 단순히 풍경을재현하는 것을 넘어서 대상의 철학적 정체성을 밝히고 삶과 죽음, 순환을 탐구 한다. 『Bae Bien-U · STUDIES』는 세계 석학들과 작가 배병우의 예술 철학을 다각적으로 조명한 연구서이다. 이번 배병우의 연구서는 전 도쿄국립근대미술관 학예실장이자 미술평론가 치바 시게오(Chiba Shigeo)와 『기체 상태의 예술』의 저자이자 전 프랑스 파리 제1대학 철학과 교수인 이브 미쇼(Yves Michaud), 대표적인 한국 미술학자인 유홍준, 독일 쿤스트아카데미 뒤셀도르프 교수 로버트 플렉(Robert Fleck), 독일 미술평론가이자 저널리스트인 토마스 바그너(Thomas Wagner) 등이 저자로 참여하였다. 한국, 일본, 프랑스, 독일 등 다국적의 저자들을 통해 배병우의 철학을 다층적으로 살펴볼 수 있는 본 연구서는 배병우의 작품세계를 입체적으로 조명하며 예술 텍스트의 아카이브의 일례로 선보인다.
『차경 Borrowed Scenery』은 자연과 인간, 시간과 공간의 조화, 영원성을 전통적 재료와 창이라는 장치를 통해 표현하는 김덕용의 차경 작업 시리즈를 기록한다. 주명덕의 『SEOUL』은 60여년 간의 서울이라는 공간을 중심으로 도시와 사람들의 흔적을 기록하여 한국 사회와 변화의 흐름을 압축적으로담아낸다. 『Chae Jimin Paintings』은 채지민의 회화 안에서 평면성과 공간성 사이의 긴장과 시각적 유희의 시작점에 있던 주요 작업을 조망하며, 실험적 현대 회화의 가능성을 모색한 아카이브이다. 『취향보고서: 조선백자』는 연적(硯滴) 자료에 대한 아카이브를 작업의 기반으로 삼아 조선 백자의 전통적미감을 현대적으로 재해석하며 독창적인 회화를 선보이는 허승희 작가의 작품집이다. 홍장오의 『잠자는 새의 눈물을 나방이 먹는다』는 작가의 디지털 드로잉과 설치 이미지를 재변형하고 가공하여 시각적 변주의 확장을 모색하며 동시에 초시대적 보편성과 동시대적 감각을 제안하는 협업 작품집이다. 홍정욱의 『Hong Jung Ouk』 주요 작품 아카이브와 더불어 김병훈 작가와의 협업을 통해 설치와 공간의 확장성을 모색하여 설치 작업의 새로운 방향성을 제시한 작품집이다.
<아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론> 전시는 옵스큐라가 각기 다른 접근 방식으로 일곱 작가의 아카이브를 기획하고 출판된 작품집을 한데모은 전시이다. 작품집이라는 매체가 단순히 작가의 작업을 보존하는 수단에 머무르지 않고, 예술적 탐구와 창작을 확장하며, 작가와 관객을 잇는 매개체임을 확인한다. <아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론>은 지난 시간의 기록을 살펴보며 동시에 신작과의 만남을 통해 미래로 이어지는 예술적 여정을 관객과 함께 나누는 장이 될 것이다. ◼️옵스큐라
From December 18, 2024, to January 11, 2025, Obscura presents Archival Activism: Discourses through Seven Artbooks. The term "archival activism" encapsulates Obscura’s vision for archival practices in visual arts, combining a critical reflection on the direction and methodology of art archives. This exhibition highlights artbooks produced in collaboration with artists Kim Duck Yong, Bae Bien-U, Joo Myung Duck, Chae Ji Min, Huh Seong Hee, Hong JangOh, and Hong Jung Ouk. Through these publications, Obscura explores how artbooks transcend their role as mere records, offering multidimensional perspectives on the creative process. By presenting each artist's series not in chronological order but as a dialogue between the present and past, the exhibition reveals the essence of their artistic inquiries and philosophical contexts, embodying the concept of “archival activism.”
An archive is more than a collection of records. It carefully selects and organizes significant materials, recalling memories and functioning as a timeless artistic tool. This exhibition examines the possibilities and expansiveness of archives as embodied in diverse artbooks. While some artbooks trace a consistent creative trajectory chronologically, others highlight specific periods or series to propose the multidimensional nature and potential of artworks. Archival materials such as interviews and critical essays also provide vital insights into each artist’s philosophy.
Bae Bien-U, known for his iconic works on pine forests, Jongmyo Shrine, and Changdeokgung Palace, captures the essence of nature, humanity, time, and space in Korean landscapes. His work transcends mere landscape representation, delving into themes of identity, life, death, and cyclical existence. Bae Bien-U · STUDIES is an academic publication offering a multifaceted study of his artistic philosophy, featuring contributions from Chiba Shigeo (former curator of the Tokyo National Museum of Modern Art), Yves Michaud (philosopher and author of The Art in a Gaseous State), Yoo Hong Jun (prominent Korean art historian), Robert Fleck (professor at the Düsseldorf Academy of Fine Arts), and Thomas Wagner (German art critic and journalist). This international collaboration sheds light on Bae Bien-U’s work as a significant case study of artistic archives.
Kim Duck Yong’s Borrowed Scenery documents his “Chakyung” series, exploring the harmony of nature, humanity, time, and eternity through traditional materials and architectural frames. Joo Myung Duck’s SEOUL compresses six decades of Seoul’s transformation, capturing the traces of its people and urban spaces to reflect on Korean society’s evolution. Chae Ji Min Paintings surveys Chae Ji Min’s key works, which experiment with tensions between flatness and spatiality, exploring new possibilities in modern painting. Taste Report: Joseon White Porcelain by Huh Seong Hee reinterprets traditional aesthetics of Yeon-jeok (water droppers) in a contemporary context, showcasing her unique paintings based on archival studies of Joseon white porcelain. Hong JangOh’s The Sleeping Bird’s Tears Eaten by Moths reconfigures digital drawings and installation images, proposing visual variations that connect universal timelessness with contemporary sensibilities. Finally, Hong Jung ouk’s Hong Jung Ouk explores the expansiveness of installations and spatial concepts through collaborative works with artist Kim Byung Hoon, presenting new directions for installation art.
Archival Activism: Discourses through Seven Artbooks brings together the diverse archival practices and publications of these seven artists. This exhibition reaffirms that artbooks are not merely tools for preserving works but are active mediums that expand artistic inquiry, connect artists and audiences, and inspire new forms of creation. By examining past records while engaging with new works, the exhibition invites visitors to share in an artistic journey toward the future.◼️Obscura
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아카이브는 단순한 기록의 집합을 넘어, 무수한 기록물 중에서도 가치와 의미를 지닌 것을 선별하여 체계적으로 정리하고, 이를 통해 기억을 소환하며시간을 초월하는 예술적 도구로 기능한다. 옵스큐라는 이번 전시를 통해 다양한 방식으로 구현된 아카이브의 가능성과 확장성을 탐구하고자 한다. 작가마다 고유의 접근법으로 만들어진 작품집은 단순한 기록 이상의 의미를 지닌다. 작품을 연대기 순으로 수록하며 일관성 있는 작품세계의 창작의 궤적을 보여주기도 하고, 또한 특정 시간과 시리즈를 선정하여 작품의 다층적 이미지의 결과물을 통해 본 창작물 자체의 확장성을 제시하기도 한다. 또한 인터뷰와비평문 등의 글 중심의 아카이브는 작가론을 살펴보는 중요한 수단이 된다.
배병우는 소나무 숲, 종묘, 창덕궁 등 한국적 공간을 배경으로 자연과 인간, 시간과 공간의 본질을 시각적으로 표현해왔다. 그의 작업은 단순히 풍경을재현하는 것을 넘어서 대상의 철학적 정체성을 밝히고 삶과 죽음, 순환을 탐구 한다. 『Bae Bien-U · STUDIES』는 세계 석학들과 작가 배병우의 예술 철학을 다각적으로 조명한 연구서이다. 이번 배병우의 연구서는 전 도쿄국립근대미술관 학예실장이자 미술평론가 치바 시게오(Chiba Shigeo)와 『기체 상태의 예술』의 저자이자 전 프랑스 파리 제1대학 철학과 교수인 이브 미쇼(Yves Michaud), 대표적인 한국 미술학자인 유홍준, 독일 쿤스트아카데미 뒤셀도르프 교수 로버트 플렉(Robert Fleck), 독일 미술평론가이자 저널리스트인 토마스 바그너(Thomas Wagner) 등이 저자로 참여하였다. 한국, 일본, 프랑스, 독일 등 다국적의 저자들을 통해 배병우의 철학을 다층적으로 살펴볼 수 있는 본 연구서는 배병우의 작품세계를 입체적으로 조명하며 예술 텍스트의 아카이브의 일례로 선보인다.
『차경 Borrowed Scenery』은 자연과 인간, 시간과 공간의 조화, 영원성을 전통적 재료와 창이라는 장치를 통해 표현하는 김덕용의 차경 작업 시리즈를 기록한다. 주명덕의 『SEOUL』은 60여년 간의 서울이라는 공간을 중심으로 도시와 사람들의 흔적을 기록하여 한국 사회와 변화의 흐름을 압축적으로담아낸다. 『Chae Jimin Paintings』은 채지민의 회화 안에서 평면성과 공간성 사이의 긴장과 시각적 유희의 시작점에 있던 주요 작업을 조망하며, 실험적 현대 회화의 가능성을 모색한 아카이브이다. 『취향보고서: 조선백자』는 연적(硯滴) 자료에 대한 아카이브를 작업의 기반으로 삼아 조선 백자의 전통적미감을 현대적으로 재해석하며 독창적인 회화를 선보이는 허승희 작가의 작품집이다. 홍장오의 『잠자는 새의 눈물을 나방이 먹는다』는 작가의 디지털 드로잉과 설치 이미지를 재변형하고 가공하여 시각적 변주의 확장을 모색하며 동시에 초시대적 보편성과 동시대적 감각을 제안하는 협업 작품집이다. 홍정욱의 『Hong Jung Ouk』 주요 작품 아카이브와 더불어 김병훈 작가와의 협업을 통해 설치와 공간의 확장성을 모색하여 설치 작업의 새로운 방향성을 제시한 작품집이다.
<아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론> 전시는 옵스큐라가 각기 다른 접근 방식으로 일곱 작가의 아카이브를 기획하고 출판된 작품집을 한데모은 전시이다. 작품집이라는 매체가 단순히 작가의 작업을 보존하는 수단에 머무르지 않고, 예술적 탐구와 창작을 확장하며, 작가와 관객을 잇는 매개체임을 확인한다. <아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론>은 지난 시간의 기록을 살펴보며 동시에 신작과의 만남을 통해 미래로 이어지는 예술적 여정을 관객과 함께 나누는 장이 될 것이다. ◼️옵스큐라
From December 18, 2024, to January 11, 2025, Obscura presents Archival Activism: Discourses through Seven Artbooks. The term "archival activism" encapsulates Obscura’s vision for archival practices in visual arts, combining a critical reflection on the direction and methodology of art archives. This exhibition highlights artbooks produced in collaboration with artists Kim Duck Yong, Bae Bien-U, Joo Myung Duck, Chae Ji Min, Huh Seong Hee, Hong JangOh, and Hong Jung Ouk. Through these publications, Obscura explores how artbooks transcend their role as mere records, offering multidimensional perspectives on the creative process. By presenting each artist's series not in chronological order but as a dialogue between the present and past, the exhibition reveals the essence of their artistic inquiries and philosophical contexts, embodying the concept of “archival activism.”
An archive is more than a collection of records. It carefully selects and organizes significant materials, recalling memories and functioning as a timeless artistic tool. This exhibition examines the possibilities and expansiveness of archives as embodied in diverse artbooks. While some artbooks trace a consistent creative trajectory chronologically, others highlight specific periods or series to propose the multidimensional nature and potential of artworks. Archival materials such as interviews and critical essays also provide vital insights into each artist’s philosophy.
Bae Bien-U, known for his iconic works on pine forests, Jongmyo Shrine, and Changdeokgung Palace, captures the essence of nature, humanity, time, and space in Korean landscapes. His work transcends mere landscape representation, delving into themes of identity, life, death, and cyclical existence. Bae Bien-U · STUDIES is an academic publication offering a multifaceted study of his artistic philosophy, featuring contributions from Chiba Shigeo (former curator of the Tokyo National Museum of Modern Art), Yves Michaud (philosopher and author of The Art in a Gaseous State), Yoo Hong Jun (prominent Korean art historian), Robert Fleck (professor at the Düsseldorf Academy of Fine Arts), and Thomas Wagner (German art critic and journalist). This international collaboration sheds light on Bae Bien-U’s work as a significant case study of artistic archives.
Kim Duck Yong’s Borrowed Scenery documents his “Chakyung” series, exploring the harmony of nature, humanity, time, and eternity through traditional materials and architectural frames. Joo Myung Duck’s SEOUL compresses six decades of Seoul’s transformation, capturing the traces of its people and urban spaces to reflect on Korean society’s evolution. Chae Ji Min Paintings surveys Chae Ji Min’s key works, which experiment with tensions between flatness and spatiality, exploring new possibilities in modern painting. Taste Report: Joseon White Porcelain by Huh Seong Hee reinterprets traditional aesthetics of Yeon-jeok (water droppers) in a contemporary context, showcasing her unique paintings based on archival studies of Joseon white porcelain. Hong JangOh’s The Sleeping Bird’s Tears Eaten by Moths reconfigures digital drawings and installation images, proposing visual variations that connect universal timelessness with contemporary sensibilities. Finally, Hong Jung ouk’s Hong Jung Ouk explores the expansiveness of installations and spatial concepts through collaborative works with artist Kim Byung Hoon, presenting new directions for installation art.
Archival Activism: Discourses through Seven Artbooks brings together the diverse archival practices and publications of these seven artists. This exhibition reaffirms that artbooks are not merely tools for preserving works but are active mediums that expand artistic inquiry, connect artists and audiences, and inspire new forms of creation. By examining past records while engaging with new works, the exhibition invites visitors to share in an artistic journey toward the future.◼️Obscura
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김덕용 (b. 1961)
김덕용은 나무, 자개, 탁본, 단청의 전통적 재료를 통해 한국적인 정서와 미학을 독창적으로 현대화하며 자연과 인간 관계의 철학을 작품에 담고 있다. 최근 주요 개인전으로는 <생 - 빛과 결>(갤러리나우, 서울, 2024), <그리움 - 결에 스미다>(포스코 미술관, 서울,2023), <오션 랩소디>(솔루나 파인아트, 홍콩, 2023) 등이 있다. 그의 작품은 경기도미술관, 국립현대미술관, 국립해양박물관, 박경리토지문화관, 박수근미술관, 서울시립미술관, 스위스한국대사관, 아부다비 관광문화청, 외교통상부, 포스코 등에 작품이 소장되어 있다. 서울대학교 미술대학 회화과를 졸업하고 동 대학원 동양화과 석사를 받았다.
Artist’s Note
태초, 우리는 우주의 한 점이런가. 玄의 한 점은 모체에서 생성되어 생명으로 존재하다가 다시 빛이 되어 한 점 제자리로 돌아간다. 그 하나의 점은 심현의 공간에 영롱한 진주처럼 한 톨의 씨앗으로 뿌려져 새로운 생명으로 움트고 다시 우리에게 따뜻한 감성으로 비춰온다. 점은 씨앗이고 씨앗은 생명이다. 생명은 형체가 변할지라도 결코 소멸되지 않고 함께한 그들의 마음에 한 점으로 영원히 존재한다.
배병우 (b. 1950)
배병우는 1982년 첫 개인전 이후로 국제적인 활동을 이어오고 있다. 2006년 아시아 사진작가로는 최초로 스페인 티션보르네미서 미술관 (Thyssen Bornemisza Museum)에서 개인전을 열었고, 스페인 정부의 의뢰로 세계문화유산인 알함브라궁전의 정원을 2년간 촬영 하여 알함브라 궁전과 서울 덕수궁 미술관에서 순회 전시를 진행하기 도 하였다. 이 밖에 광주시립미술관(2015), 프랑스 생테티엔 미술관 (2015), 프랑스 국립재단 샹보르 성(Chateau de Chambord, France), 빌모트 재단(2022, Venice, Italy) 등에서 대규모 개인전을 열었다. 그는 2016년 이중섭미술상을 수상하였으며, 2023년 프랑스 정부로부터 문화예술공로훈장 슈발리에장을 수여 받았다. 홍익대학교 미술대학 응용미술학과를 졸업하고 동 대학원 석사를 받았다.
Artist’s Note
삼십 대 무렵, 전통 회화에 대한 관심이 부쩍 커지면서 간송미술관을 자주 드나들었다. 단원 김홍도와 겸재 정선의 진경산수화(眞景山水畵) 를 보며 한국미(韓國美)에 대해 고민했고, 그 답을 소나무에서 찾았다. 겸재의 그림 10점 중 9점에 소나무가 등장하듯, 소나무는 우리 민족의 삶과 깊이 연결된 존재였다. 실제로 우리 조상들은 소나무로 집을 짓고, 불을 지피고, 소나무 관 속에 묻혔으며, 무덤가 에도 소나무를 심었다. 나무 ‘목(木)’ 자와 변치 않을 ‘공(公)’ 자가 합쳐진 소나무는 곧 한국 그 자체라고 생각했다.
1984년, 낙산사에서 우연히 소나무를 보게 되었고, “아, 이게 한국이다” 라는 깨달음을 얻었다. 그날 이후 전국의 소나무를 찾아 다니며 사진 을 찍기 시작했다. 특히 경주의 안강송(安康松)은 구불구불한 형상과 역동적인 힘을 가진 소나무로, 나무의 생명력과 에너지를 표현하기에 가장 적합한 대상이었다.
사진 작업은 빛을 읽는 과정이다. 해 뜨기 직전과 직후, 역광을 이용해 촬영하면 빛은 하얗게, 나무는 검게 나타난다. 단순한 역광 촬영이 아니라, 톤과 농담(濃淡)을 조절하고, 현상 과정에서 디테일을 극대화해 소나무의 질감과 힘을 강조한다. 나뭇잎 하나하나까지 세밀하게 표현하려면 노출과 인화를 치밀하게 계산해야 한다. 1995년, 소나무 작업을 멈추겠다고 결심한 적이 있었다. 하지만 일본 미토미술관 초청으로 국제적인 주목을 받으며, 소나무 작업을 평생 이어가야겠다는 다짐을 했다. 일본 친구들이 나를 "미스터 마츠(松)" 라 부르며 격려해 주었을 때, 이 작업이 단순한 사진 이상이라는 것을 다시 한번 깨달았다. 소나무는 나에게 단순한 피사체가 아니다. 한국적인 정서와 자연의 정신을 상징하는 주제이며, 평생 이어가야 할 작업이다. 소나무와 함께 걸어온 시간들이 언젠가 시대를 초월해 평가받을 것이라 믿으며, 이 작업을 묵묵히 이어갈 것이다.
주명덕 (b. 1940)
주명덕은 1966년 서울 중앙공보관에서 <포토·에세이 홀트씨 고아원> 으로 첫 개인전을 열었다. 1968년부터 1973년까지 『월간 중앙』의 사진기자이자 편집기획자로 활동하였다. 1979년부터 도서출판 시각을 운영하며 사진 작업과 다양한 출판 기획 활동을 이어왔다. 1960년대 홀트씨 고아원, 미군기지촌 용주골, 인천의 중국인촌을 주목한 한국의 이방 시리즈를 비롯해, 서울시립아동병원 등 사회적 다큐멘터리 작업을 하였다. 1970년대 중반부터는 한국의 전통 공간 과 건축의 아름다움을 담아내는 작업으로 주목받았으며, 1980년대 이후에는 자연과 도시를 주제로 한 검은 풍경 연작을 발표하였다. 그는 2010년 파라다이스 문화예술상을 수상하였다. 경희대학교 문과대학에서 사학을 수학하였다.
Artist’s Note
다큐멘터리를 할 때 나한테는 두 가지 측면이 있었는데, 하나는 대상과의 관계에서 어떤 거리 이상으로 들어가지 않아야 된다고 생각했고, 그 사진을 보는 사람들에게 내 사진을 설명하려고 노력하지 않고 내 자신의 시각에만 의존했던 것입니다. 내 사진은 어떤 지역의 어떤 장소를 설명하기 보다는 내가 느끼는 가장 인상적 인 장면을 뽑아서 보여주는 게 오히려 더 많은 사람들 한테 어필할 수 있다고 생각했습니다. 그리고 지금도 그 생각은 변함이 없습니다. 초기 매그넘 회원들의 사진이 내겐 교과서였습니다. 유진 스미스와 윌리엄 클라인도 그렇고요. 한편 라이프지나 룩크지에 실린 에세이 들이 세상을 바라보는 나의 시각에 영향을 주었지요. 지금 이 사진 들을 보면 사진 하나하나마다 이 사진은 누구의 영향을 받았구나 하고 생각이 납니다. 그때에는 좋은 사진을 보면 어떻게 해서든지 비슷하게 찍으려고 할 때였으니까요. 그러면서 내 나름의 방식으로 소화했지요. 이를테면, 피사체의 눈동자가 반드시 나를 마주하게 한다든지 한 것이 그런 예입니다. 내가 말하는 ‘직관’은 불가의 선(禪)적인 요소가 많습니다. 말하자면 보이지 않는 노력을 통해서 내면에 축적된 그런 직관이라고 할까요. 그렇게 이해해 주면 좋겠습니다. 나는 본능이 가지고 있는 감성을 어떻게 채우느냐 여부가 중요하다고 생각합니다. 내가 그저 보는 것하고 원하는 것을 얻어내기 위해서 보는 것은 항상 자기가 스스로준비를 해서 키워 나가는 것이라고 생각합니다.
채지민 (b. 1983)
채지민은 회화의 평면성과 공간성에 대한 지속적인 탐구로 작업을 진행하며 2023년 상하이 에르메스와의 개인전 <Overwhelming Crash>을 진행하는 등 국내외에서 주목받는 작가이다. 주요 전시로는 <Walk Stay Gaze>(아뜰리에 아키, 서울, 2022) <Selected Scene> (옵스큐라, 서울, 2020), <들판에서>(노블레스컬렉션, 서울, 2019), <하나의 풍경들>(갤러리엠, 서울, 2017), <In the End, We Are All Alone>(Griffin Gallery, 런던, 2016) 등이 있으며, 그는 Art Miami와 Art Basel Hong Kong 등 다수의 아트페어에도 참여하고 있다. 서울대학교 미술대학 서양화과 학사과정(B.F.A)을 마치고 영국 첼시 대학에서 순수미술 학위(M.F.A)를 받았다.
Artist’s Note
나의 그림은 삶의 순간순간에 발견되는 이미지의 파편들의 섬세한 조합이다. 지극히 현실적인 경험의 시간 속에서 선택된 기억의 조각들은 나의 그림 안에서 걷거나, 쉬거나, 바라보거나, 머무르며 그 본연의 행위를 이어간다. 각각의 사연은 잠시 뒤로 하고, 사각의 화면 안에서 자신의 역할을 부여받지만, 결국에는 그다지 어울리지 못하고 서로에게 그저 모호한 관계로 머문다. 낯설고 부자연스러운 장면들의 조합은 ‘이야기’가 되지 못한 채, 보는 이로 하여금 좀처럼 이해할 수 없는 ‘상황’으로만 남을 뿐이다. 아직은 아무 일도 일어나지 않은, 하지만 곧 어떠한 사건이 일어날지도 모르는 그 직전의 순간인 것이다. 나의 회화에서 드러나는 시공간은 여전히 ‘불특정’하다. 서로 다른 시간과 공간으로부터 선택한 이미지들(구조물, 오브제, 인물)을 오직 조형성 에만 의거하여 배치함으로써 화면 안에 어색한 조화를 이루어 낸다. 연관성이 없는 객체들은 각기 존재할 뿐 공존하지 않으며, 그저 위화감을 조성할 뿐이다. 나는 결코 이야기를 만들려 하지 않으며, 작업이 끝나는 순간에도 결코 스스로 정의 내릴 수 없는 화면을 추구 한다. 그렇기에 화면 곳곳에 배치된 인물들과 오브제들은 캐릭터를 잃고 제스처만 남은 채로 부유한다.
허승희 (b. 1984)
허승희는 한국의 문화재를 현대적으로 재해석하며 전통적 소재와 동양화 기법, 사실적 표현력을 결합한 작업을 지속해왔다. 주요 개인전 으로는 청운(옵스큐라, 2024), 더프리뷰 아트페어(옵스큐라, 2023), 연적硯滴, 물들다(모리함전시관, 2022)가 있다. 2018년 외교부 주최 한국의 아름다움 공모전 수상과 2016년 국립생물자원관 주최 자생 동· 식물 세밀화 공모전 우수상을 수상하였다. 서울대학교 미술대학 동양화과 와 고고미술학과를 졸업하고, 동 대학원에서 석사 학위를 받았다. 현재 서울대학교 미술품보존연구센터에서 복원 및 모사본 선임 연구원으로 재직 중이다.
Artist’s Note
소장하고 싶은 우리 문화재
10여 년간 문화재 복원과 모사 연구를 하며, 박물관 수장고에서 가까이 본 우리 문화재의 아름다움과 섬세함에 매번 감탄했습니다. 특히 2년 전 국립중앙박물관 어느 수집가의 초대 전시에서 감상했던 청채 개구리 모양 연적은 제 작업의 시작이 되었습니다. 유리장 안에 있던 연적을 화폭으로 옮기며 감상과 소장의 욕구가 채워지는 경험을 했고, 이후 우리 문화재를 회화로 표현해 그 가치와 아름다움을 대중과 나누고자 하는 작업을 이어가고 있습니다. 첫 작업으로 선택한 연적 (硯滴)은 벼루에 물을 공급하는 실용적인 도구이자 문방의 장식품으로, 백자 연적은 정교한 형태와 다양한 문양으로 예술적 가치를 지니고 있습니다. 잉어 연적은 등용문, 수탉은 출세, 복숭아형은 무병장수를 상징하며, 이러한 형태와 문양은 완상(玩賞)의 대상이 된 이유이기도 합니다. 연적은 실용성을 넘어 감상의 욕구를 충족시키기 위해 만들어진 예술품이었습니다. 이번 작업의 주제는 우리 문화재 속 '용'입니다. 용은 복을 상징하는 길상(吉祥)의 존재이자 최고 권위와 힘의 상징으로 사랑받아 왔습니다. 비와 구름을 다스리는 수신(水神) 으로도 여겨지며, 조선시대의 연적, 필통, 항아리 등에 신령스러운 모습으로 담겨왔습니다. 2024년 갑진년, 청룡의 해를 맞아 이 작업을 통해 용의 기운이 모든 분들에게 전해지기를 바랍니다. 작품 속 대상을 화면 중앙에 배경 없이 배치해 문화재의 아름다움을 강조했으며, 실물보다 크게 표현해 섬세함을 극대화 했습니다. 자연의 색과 질감을 살린 바탕재 위에 백자의 미감을 담아 오래 보아도 질리지 않는 차분함과 편안함을 전하고자 했습니다. 이번 작업이 문화재의 가치와 아름다움을 새롭게 바라볼 기회를 제공하기를 바랍니다.
홍장오 (b. 1972)
홍장오는 옵스큐라, 경기도미술관, Tenderpixel 갤러리, 아마도 예술공간 등에서 다수의 개인전 및 그룹전에 참여하였으며, 프랑스 낭뜨의 APO33(2010), 몽인 아트스페이스(2014), 경기창작센터 (2018) 등의 레지던시 프로그램에 참여하였다. 다양한 공공미술 프로젝트와 공간 연출가로서도 활동을 이어가고 있다. 중앙대학교 미술대학 조소학과 학사와 동 대학원 석사과정을 마치고 영국 골드스미스 대학교에서 순수미술 학위(M.A.)를 받았다.
Artist’s Note
나의 작업은 다양한 환경의 물리적 조건들이 우연히 만나는 교차점 들의 합이다. 이를 위해 생물과 무생물. 생체와 기계가 혼재된 비현실성의 토대에서 발생될 수 있는 새로운 형태의 가상체를 구현하는 작업을 하고 있다. 우리가 처한 물리적 환경에서 융합과 이탈의 어지러운 움직임 속에서 이루어지는 수많은 교차점에서 상상적이고 창의적인 형태적 발상들을 기록하고, 창작 과정의 복잡성과 불확정성, 물질의 상호작용이 만들어내는 변환의 가능성을 탐구하고 있다. 새로운 개체들 만들어 가는 과정은 비선형적이고 비계획적이며, 물질의 시각적, 물리적 반응 의 우연성을 적극적으로 작업에 활용한다. 불규칙한 배열과 대칭, 중력에 의한 자연적 힘의 변화 등이 작업의 주요한 동력이 되며, 물질과 물질 간의 상호작용 에서 살아 있음과 죽음의 단서를 찾으며 공간을 재구성한다. 창작 과정에서의 불확실성과 잠재적 가능성으로 인한 창의적인 결과를 통해 예술 창작의 본질을 찾고자 노력하고 있다.
홍정욱 (b. 1976)
홍정욱은 <ONGOING>(노블레스 컬렉션, 서울, 2024), <ENTITY>(옵스큐라, 서울, 2022), <DIA>(갤러리 SP, 서울, 2020) 등 13회의 개인전을 개최하였으며, 독창적인 입체적 조형 언어를 다양한 전시를 통해 선보여 왔다. 주요 수상으로는 김종영미술관 오늘의 작가(2013), Guasch Coranty International Painting Prize(2010, finalist, 바르셀로나), New Contemporaries(2009, finalist, 런던), 제4회 송은미술대전(2004, 입선, 서울)이 있다. 그의 작업은 서울시립미술관, OCI미술관, 현대카드, 유진투자증권, 국립현대미술관 미술은행 등에 소장되어 있다. 홍익대학교에서 회화과와 일반대학원 회화과를 졸업하고 런던대학교 슬레이드 미술 대학원(UCL Slade School of Fine Art, UK)에서 석사 학위(MFA)를 받았으며, 중앙대학교 첨단영상 대학원에서 예술공학 박사 학위를 받았다.
Artist’s Note
평면회화에서 구조적 입체 회화로의 변주 회화적 요소를 기반으로 화면 구조를 독창적으로 재구성한다. 회화적 요소(점, 선, 면)를 고집 하면서 그 의미와 형태를 변형해 평면 회화에서 구조적 입체로 그리고 공간과 조화를 이루려 한다. 공간을 다시 거대한 작품으로 생각하고 그 안에 다시 작품을 하나의 요소로 배치하는 방식으로 각각의 작품은 공간과 함께 호흡하며 설치와 평면 사이에서 독특한 조화로 다시 하나의 작품을 보여주고자 한다. 그러므로 입체적 평면 회화와 회화적 구조주의 입체의 경계를 넘나드는 형식주의 작품 실험을 다각적으로 시도하고 있다. 고정관념에서 벗어나 확장성을 탐구하며 사각형 평면을 넘어 면을 깨고 구조로, 그리고 공간으로 확장하는 작업을 하는 것이다. 작업에 본질의 탐구가 주안점이었다면, 지금은 형식주의에 관심을 가지므로 담론의 무게를 줄이고 시각예술에서 시각을 정공법(?)을 탐구하고자 한다. 특히, ‘환경에 따른 구조적 형식주의'이라고 본인은 표방하는데, 여기서 '환경'은 주어진 상태인 '상황(situation)'과 '기반(ground)'의 의미에 가깝습니다. 그라운드는 교육, 인종 그리고 국적인 백그라운드(background)가 될 수도, 작가에게 필요한 작업실, 전시장인 플레이그라운드(playground)를 이야기하고 그것은 상황에 따라 계속 변화하기에 ‘그라운딩(grounding)’ 이라고 할 수 있다. 그러므로 지금 본인은 ‘그라운딩 포멀리즘(grounding formalism)’ 집중해서 끊임없이 고민하고 있다. “작품의 마침표는 작업실이 아니라 연출되는 공간에서 찍어야 한다” 인터뷰에도 이야기했듯이 작품은 항상 시각적으로 공간과 조화를 이루어야 한다고 생각한다.
Kim Duck Yong (b. 1961)
Kim Duck Yong modernizes Korean emotions and aesthetics through traditional materials such as wood, mother-of-pearl, rubbings, and dancheong (traditional Korean decorative coloring). His works explore the philosophy of the relationship between nature and humanity. Recent notable solo exhibitions include Life – Light and Texture (Gallery Now, Seoul, 2024), Longing – Soaked in Texture (POSCO Art Museum, Seoul, 2023), and Ocean Rhapsody (Soluna Fine Art, Hong Kong, 2023). His works are part of collections at institutions such as the Gyeonggi Museum of Modern Art, the National Museum of Modern and Contemporary Art, the National Maritime Museum, Seoul Museum of Art, and overseas locations like the Swiss Embassy in Korea and the Abu Dhabi Department of Culture and Tourism. Kim earned a bachelor's degree in Painting and a master's in Oriental Painting from Seoul National University.
Artist’s Note
In the beginning, were we but a dot in the universe. A single dot born from hyeon (the void) emerges as life, only to return as light to its origin. This dot, scattered like a seed in the deep recesses of the mind, blossoms into new life, reflecting back to us a warmth of emotion. A dot is a seed, and a seed is life. Though its form may change, life never vanishes; it remains eternally as a single dot in the hearts of those it has touched.
Bae Bien-U (b. 1950)
Bae Bien-U has maintained an international presence since his first solo exhibition in 1982. Notably, in 2006, he became the first Asian photographer to hold a solo exhibition at the Thyssen-Bornemisza Museum in Spain. At the request of the Spanish government, he spent two years photographing the gardens of the Alhambra, which were subsequently displayed in a traveling exhibition at the Alhambra and Deoksugung Palace Museum in Seoul. Other major exhibitions include the Gwangju Museum of Art (2015), Saint-Étienne Museum of Art in France (2015), Château de Chambord (France), and the Wilmotte Foundation (2022, Venice, Italy). Bae received the Lee Jung-Seob Art Award in 2016 and was awarded the French Ordre des Arts et des Lettres (Chevalier) in 2023. He holds both a bachelor's and master's degree in Applied Arts from Hongik University.
Artist’s Note
In my thirties, my interest in traditional Korean painting grew significantly, leading me to frequent the Kansong Art Museum. Studying the Jingyeong sansuhwa (true-view landscape paintings) of artists like Danwon Kim Hong-Do and Gyeomjae Jeong Seon, I began contemplating the essence of Korean aesthetics. I found my answer in pine trees. Just as pine trees appear in nine out of ten of Jeong Seon's paintings, they are deeply intertwined with the lives of the Korean people. Historically, our ancestors built homes with pine wood, lit fires with it, and were buried in pine coffins. Even pine trees were planted near graves. The Korean word for pine (sonamu) combines the characters for "tree" (mok, 木) and "eternal integrity" (gong, 公), making it a symbol of Korea itself.
In 1984, during a visit to Naksansa Temple, I stumbled upon a pine tree and had an epiphany: "This is Korea." From that day on, I began traveling the country to photograph pine trees. Among them, the pine trees of Angang, Gyeongju, stood out with their winding forms and dynamic strength, making them the perfect subject to capture the vitality and energy of nature.
Photography, to me, is the process of reading light. By shooting just before and after sunrise and using backlighting, the light appears white, while the tree turns black. This is not mere backlighting; I meticulously adjust tones and contrasts, enhancing the details during development to emphasize the texture and strength of the pine trees. Capturing the fine details, down to each pine needle, requires precise calculations of exposure and printing.
In 1995, I once decided to stop photographing pine trees. However, an invitation to exhibit at Japan's Mito Art Museum brought international attention to my work and renewed my determination to continue this lifelong project. When Japanese friends affectionately called me "Mr. Matsu" (松, pine), I realized again that this work transcends photography. For me, pine trees are not just a subject. They embody the spirit of Korean aesthetics and the essence of nature, making them a lifelong theme.
I walk this path with the conviction that, one day, my work with pine trees will be recognized across generations. Quietly and steadfastly, I will continue this journey with them.
Joo Myung Duck (b. 1940)
Joo Myung Duck held his first solo exhibition, Photo Essay: Holt's Orphanage, in 1966 at the Seoul Central Public Information Office. From 1968 to 1973, he worked as a photojournalist and editorial planner for Monthly JoongAng. In 1979, he founded the publishing house Sigak and continued his photography work alongside various publishing projects. His Outsiders of Korea series from the 1960s focused on Holt's Orphanage, the U.S. military base village Yongjugol, and Incheon's Chinatown, as well as socially conscious documentary projects like the Seoul Municipal Children's Hospital. From the mid-1970s, Joo gained recognition for capturing the beauty of traditional Korean spaces and architecture. In the 1980s, he shifted to themes of nature and urban landscapes, culminating in his Black Scenery series. Joo received the Paradise Culture and Arts Award in 2010. He studied history at Kyung Hee University's College of Liberal Arts.
Artist’s Note
When I worked on documentaries, there were two key aspects for me. One was maintaining a certain distance in my relationship with the subject, ensuring not to cross a certain line. The other was relying solely on my own perspective, rather than trying to explain my photographs to the viewers. Instead of aiming to depict a specific region or location, I believed that selecting and showcasing the most striking scenes I felt would appeal to a broader audience. This belief remains unchanged even today.
The early Magnum members' photographs were my textbook. W. Eugene Smith and William Klein also influenced me significantly. Additionally, essays featured in Life and Look magazines shaped my worldview. When I look at these photographs now, I can recognize whose influence each image reflects. Back then, whenever I saw a great photograph, I tried to replicate it in some way. Over time, I absorbed these influences and developed my own approach. For example, I might have ensured the subject's eyes always made direct contact with me, as one such method.
What I refer to as "intuition" carries many Zen-like qualities. It could be understood as an intuition that is accumulated through unseen effort and inner growth. I believe this interpretation aligns with my intent. To me, what matters is how one nurtures the sensitivity inherent in instinct. Observing passively versus actively seeking what you desire to capture is a process of continual preparation and personal growth.
Chae Ji Min (b. 1983)
Chae Ji Min is a prominent artist known for her ongoing exploration of the flatness and spatiality of painting. She has gained recognition both domestically and internationally, including her 2023 solo exhibition Overwhelming Crash with Hermès in Shanghai. Her notable exhibitions include Walk Stay Gaze (Atelier Aki, Seoul, 2022), Selected Scene (Obscura, Seoul, 2020), In the Fields (Noblesse Collection, Seoul, 2019), A Landscape of One (Gallery EM, Seoul, 2017), and In the End, We Are All Alone (Griffin Gallery, London, 2016).Chae has also participated in prominent art fairs such as Art Miami and Art Basel Hong Kong. She earned her B.F.A. in Western Painting from Seoul National University and her M.F.A. in Fine Art from Chelsea College of Arts in London.
Artist’s Note
My paintings are a delicate composition of fragments of images discovered in the moments of life. Within the highly realistic passage of time shaped by personal experiences, selected pieces of memory walk, rest, gaze, or linger within my paintings, continuing their inherent actions. While each carries its own story, these fragments are assigned roles within the rectangular frame, yet they ultimately remain somewhat incompatible, existing in ambiguous relationships with one another.
The combination of unfamiliar and unnatural scenes fails to form a coherent "narrative," instead leaving viewers with an incomprehensible "situation." It is the moment just before something might happen—where nothing has occurred yet, but the possibility of an event looms. The time and space revealed in my paintings remain deliberately "undefined." By arranging images (structures, objects, figures) selected from different times and spaces solely based on their formal qualities, I create a subtle discord within the frame.
These unrelated elements exist independently rather than coexisting, generating only a sense of incongruity. I never attempt to construct a story, nor do I aim to define the canvas, even as the work reaches its conclusion. Thus, the figures and objects scattered throughout the composition lose their identities, leaving behind mere gestures that drift aimlessly within the scene.
Huh Seonghee (b. 1984)
Huh Seonghee has been reinterpreting Korea's cultural heritage through a contemporary lens, combining traditional materials, Oriental painting techniques, and realistic expressions in her works. Her notable solo exhibitions include Cheongwoon (Obscura, 2024), The Preview Art Fair (Obscura, 2023), and Yeonjeok: Inkstone Water Droppers, Immersed (Moriham Gallery, 2022). She received the Korea’s Beauty competition award organized by the Ministry of Foreign Affairs in 2018 and the Excellence Award in the Korean Indigenous Flora and Fauna Illustration Contest hosted by the National Institute of Biological Resources in 2016. Huh holds dual bachelor's degrees in Eastern Painting and Archaeology & Art History from Seoul National University, where she also completed her master's degree. She is currently a senior researcher specializing in restoration and reproductions at the Seoul National University Art Conservation Research Center.
Artist’s Note
Cultural Heritage I Wish to Possess
For over a decade, I have dedicated myself to the restoration and reproduction of cultural artifacts. During this time, I have often marveled at the beauty and intricate details of our cultural heritage, observed up close in museum storage rooms. Two years ago, I had a transformative experience while viewing an exhibition at the National Museum of Korea, featuring a collector’s treasures. Among the items displayed, a celadon frog-shaped water dropper left a profound impression on me and marked the beginning of my current artistic journey. Translating the water dropper from a glass case to my canvas not only allowed me to appreciate its beauty but also fulfilled a desire to possess it. Since then, I have been creating paintings of our cultural artifacts, hoping to share their value and beauty with the public. My first choice was the yeonjeok (硯滴), a practical tool designed to supply water to an inkstone and a decorative item for the scholar’s study. Porcelain water droppers, with their refined shapes and diverse patterns, hold immense artistic value. Designs such as the carp (symbolizing success), rooster (symbolizing achievement), and peach (symbolizing longevity) illustrate why these objects have been prized as collectibles. The yeonjeok transcends functionality; it is a true work of art created to satisfy the desire for aesthetic enjoyment. For this series, I chose “dragons” as the theme, drawing from their prominent role in our cultural heritage. Dragons, revered as symbols of blessings, power, and authority, are also considered water deities that govern rain and clouds. Their divine imagery has been captured in items such as water droppers, brush holders, and jars from the Joseon Dynasty. With 2024 being the Year of the Blue Dragon (Gapjin), I hope this work conveys the dragon’s auspicious energy to all. In my paintings, I place the artifact at the center of the composition, devoid of a background, to highlight its beauty. By depicting the subject larger than life, I amplify its intricate details. Using natural hues and textures as a foundation, I aim to capture the serene elegance of porcelain, evoking a calm and timeless quality. I hope this series offers viewers a fresh perspective on the value and beauty of our cultural heritage.
Hong Jangoh (b. 1972)
Hong Jangoh has participated in numerous solo and group exhibitions at venues such as Obscura, Gyeonggi Museum of Modern Art, Tenderpixel Gallery, and Amado Art Space. He has also taken part in residency programs at institutions including APO33 in Nantes, France (2010), Mongin Art Space (2014), and Gyeonggi Creation Center (2018). In addition to his artistic practice, he has been active in various public art projects and as a spatial designer. Hong earned his bachelor's and master's degrees in Sculpture from Chung-Ang University's College of Fine Arts and later completed an M.A. in Fine Art at Goldsmiths, University of London.
Artist’s Note
My work is a synthesis of intersecting points where the physical conditions of diverse environments meet by chance. To achieve this, I create new forms of virtual entities that arise from a foundation where the organic and inorganic, the biological and the mechanical, coexist. Within the chaotic dynamics of fusion and divergence in our physical surroundings, I document imaginative and creative formal concepts generated at these intersections. I explore the complexity and uncertainty of the creative process and the transformative possibilities that emerge from the interactions of materials. The process of creating new entities is nonlinear and unplanned, actively utilizing the randomness of the visual and physical responses of materials. Irregular arrangements, symmetry, and changes driven by natural forces such as gravity form the core of my work. Through the interactions between materials, I seek to uncover hints of life and death while reconfiguring space. By embracing the uncertainty and latent possibilities inherent in the creative process, I aim to discover the essence of artistic creation.
Hong Jung Ouk (b. 1976)
Hong Jung Ouk has held 13 solo exhibitions, including ONGOING (Noblesse Collection, Seoul, 2024), ENTITY (Obscura, Seoul, 2022), and DIA (Gallery SP, Seoul, 2020). His innovative three-dimensional artistic language has been showcased in various exhibitions. His key awards include the Today’s Artist award from Kim Jong-Young Museum of Art (2013), the Guasch Coranty International Painting Prize (2010, finalist, Barcelona), New Contemporaries (2009, finalist, London), and the 4th Song Eun Art Competition (2004, selected, Seoul). His works are part of collections at institutions such as the Seoul Museum of Art, OCI Museum of Art, Hyundai Card, Eugene Investment & Securities, and the National Museum of Modern and Contemporary Art Art Bank. Hong graduated from Hongik University with a degree in Painting and furthered his studies with a Master of Fine Arts (MFA) from UCL Slade School of Fine Art in London. He also holds a Doctorate in Art Engineering from the Graduate School of Advanced Imaging at Chung-Ang University.
Artist’s Note
I reconstruct the structural composition of a painting based on its flatness, evolving it into a spatial form while maintaining the fundamental elements of painting (dots, lines, and planes). I transform these elements and aim to harmonize them within the space, thinking of the space itself as a large artwork, with each piece placed as an element within it. The works breathe with the space and aim to present a unique harmony between installation and two-dimensional art. Thus, I continuously experiment with formalist works that traverse the boundary between dimensional flat painting and structuralist three-dimensional painting. Breaking free from stereotypes, I explore the expansiveness of the medium, expanding from the flat square plane to structures and space. Initially, my focus was on exploring the essence of my works, but now I am more interested in formalism, reducing the weight of discourse and exploring visual art through a "methodical" visual approach. I refer to this as “structural formalism according to the environment,” where “environment” closely aligns with the concepts of "situation" and "ground." The ground could refer to background elements such as education, race, or nationality, or the essential spaces for the artist, such as studios and exhibition spaces. These environments change according to the situation, leading to what I call "grounding." Therefore, I am deeply focused on "grounding formalism," constantly reflecting on its implications. As I mentioned in an interview, I believe that the final period of a work should not be in the studio but in the space where it is staged. The artwork, to me, must always achieve visual harmony with the surrounding space.
김덕용은 나무, 자개, 탁본, 단청의 전통적 재료를 통해 한국적인 정서와 미학을 독창적으로 현대화하며 자연과 인간 관계의 철학을 작품에 담고 있다. 최근 주요 개인전으로는 <생 - 빛과 결>(갤러리나우, 서울, 2024), <그리움 - 결에 스미다>(포스코 미술관, 서울,2023), <오션 랩소디>(솔루나 파인아트, 홍콩, 2023) 등이 있다. 그의 작품은 경기도미술관, 국립현대미술관, 국립해양박물관, 박경리토지문화관, 박수근미술관, 서울시립미술관, 스위스한국대사관, 아부다비 관광문화청, 외교통상부, 포스코 등에 작품이 소장되어 있다. 서울대학교 미술대학 회화과를 졸업하고 동 대학원 동양화과 석사를 받았다.
Artist’s Note
태초, 우리는 우주의 한 점이런가. 玄의 한 점은 모체에서 생성되어 생명으로 존재하다가 다시 빛이 되어 한 점 제자리로 돌아간다. 그 하나의 점은 심현의 공간에 영롱한 진주처럼 한 톨의 씨앗으로 뿌려져 새로운 생명으로 움트고 다시 우리에게 따뜻한 감성으로 비춰온다. 점은 씨앗이고 씨앗은 생명이다. 생명은 형체가 변할지라도 결코 소멸되지 않고 함께한 그들의 마음에 한 점으로 영원히 존재한다.
배병우 (b. 1950)
배병우는 1982년 첫 개인전 이후로 국제적인 활동을 이어오고 있다. 2006년 아시아 사진작가로는 최초로 스페인 티션보르네미서 미술관 (Thyssen Bornemisza Museum)에서 개인전을 열었고, 스페인 정부의 의뢰로 세계문화유산인 알함브라궁전의 정원을 2년간 촬영 하여 알함브라 궁전과 서울 덕수궁 미술관에서 순회 전시를 진행하기 도 하였다. 이 밖에 광주시립미술관(2015), 프랑스 생테티엔 미술관 (2015), 프랑스 국립재단 샹보르 성(Chateau de Chambord, France), 빌모트 재단(2022, Venice, Italy) 등에서 대규모 개인전을 열었다. 그는 2016년 이중섭미술상을 수상하였으며, 2023년 프랑스 정부로부터 문화예술공로훈장 슈발리에장을 수여 받았다. 홍익대학교 미술대학 응용미술학과를 졸업하고 동 대학원 석사를 받았다.
Artist’s Note
삼십 대 무렵, 전통 회화에 대한 관심이 부쩍 커지면서 간송미술관을 자주 드나들었다. 단원 김홍도와 겸재 정선의 진경산수화(眞景山水畵) 를 보며 한국미(韓國美)에 대해 고민했고, 그 답을 소나무에서 찾았다. 겸재의 그림 10점 중 9점에 소나무가 등장하듯, 소나무는 우리 민족의 삶과 깊이 연결된 존재였다. 실제로 우리 조상들은 소나무로 집을 짓고, 불을 지피고, 소나무 관 속에 묻혔으며, 무덤가 에도 소나무를 심었다. 나무 ‘목(木)’ 자와 변치 않을 ‘공(公)’ 자가 합쳐진 소나무는 곧 한국 그 자체라고 생각했다.
1984년, 낙산사에서 우연히 소나무를 보게 되었고, “아, 이게 한국이다” 라는 깨달음을 얻었다. 그날 이후 전국의 소나무를 찾아 다니며 사진 을 찍기 시작했다. 특히 경주의 안강송(安康松)은 구불구불한 형상과 역동적인 힘을 가진 소나무로, 나무의 생명력과 에너지를 표현하기에 가장 적합한 대상이었다.
사진 작업은 빛을 읽는 과정이다. 해 뜨기 직전과 직후, 역광을 이용해 촬영하면 빛은 하얗게, 나무는 검게 나타난다. 단순한 역광 촬영이 아니라, 톤과 농담(濃淡)을 조절하고, 현상 과정에서 디테일을 극대화해 소나무의 질감과 힘을 강조한다. 나뭇잎 하나하나까지 세밀하게 표현하려면 노출과 인화를 치밀하게 계산해야 한다. 1995년, 소나무 작업을 멈추겠다고 결심한 적이 있었다. 하지만 일본 미토미술관 초청으로 국제적인 주목을 받으며, 소나무 작업을 평생 이어가야겠다는 다짐을 했다. 일본 친구들이 나를 "미스터 마츠(松)" 라 부르며 격려해 주었을 때, 이 작업이 단순한 사진 이상이라는 것을 다시 한번 깨달았다. 소나무는 나에게 단순한 피사체가 아니다. 한국적인 정서와 자연의 정신을 상징하는 주제이며, 평생 이어가야 할 작업이다. 소나무와 함께 걸어온 시간들이 언젠가 시대를 초월해 평가받을 것이라 믿으며, 이 작업을 묵묵히 이어갈 것이다.
주명덕 (b. 1940)
주명덕은 1966년 서울 중앙공보관에서 <포토·에세이 홀트씨 고아원> 으로 첫 개인전을 열었다. 1968년부터 1973년까지 『월간 중앙』의 사진기자이자 편집기획자로 활동하였다. 1979년부터 도서출판 시각을 운영하며 사진 작업과 다양한 출판 기획 활동을 이어왔다. 1960년대 홀트씨 고아원, 미군기지촌 용주골, 인천의 중국인촌을 주목한 한국의 이방 시리즈를 비롯해, 서울시립아동병원 등 사회적 다큐멘터리 작업을 하였다. 1970년대 중반부터는 한국의 전통 공간 과 건축의 아름다움을 담아내는 작업으로 주목받았으며, 1980년대 이후에는 자연과 도시를 주제로 한 검은 풍경 연작을 발표하였다. 그는 2010년 파라다이스 문화예술상을 수상하였다. 경희대학교 문과대학에서 사학을 수학하였다.
Artist’s Note
다큐멘터리를 할 때 나한테는 두 가지 측면이 있었는데, 하나는 대상과의 관계에서 어떤 거리 이상으로 들어가지 않아야 된다고 생각했고, 그 사진을 보는 사람들에게 내 사진을 설명하려고 노력하지 않고 내 자신의 시각에만 의존했던 것입니다. 내 사진은 어떤 지역의 어떤 장소를 설명하기 보다는 내가 느끼는 가장 인상적 인 장면을 뽑아서 보여주는 게 오히려 더 많은 사람들 한테 어필할 수 있다고 생각했습니다. 그리고 지금도 그 생각은 변함이 없습니다. 초기 매그넘 회원들의 사진이 내겐 교과서였습니다. 유진 스미스와 윌리엄 클라인도 그렇고요. 한편 라이프지나 룩크지에 실린 에세이 들이 세상을 바라보는 나의 시각에 영향을 주었지요. 지금 이 사진 들을 보면 사진 하나하나마다 이 사진은 누구의 영향을 받았구나 하고 생각이 납니다. 그때에는 좋은 사진을 보면 어떻게 해서든지 비슷하게 찍으려고 할 때였으니까요. 그러면서 내 나름의 방식으로 소화했지요. 이를테면, 피사체의 눈동자가 반드시 나를 마주하게 한다든지 한 것이 그런 예입니다. 내가 말하는 ‘직관’은 불가의 선(禪)적인 요소가 많습니다. 말하자면 보이지 않는 노력을 통해서 내면에 축적된 그런 직관이라고 할까요. 그렇게 이해해 주면 좋겠습니다. 나는 본능이 가지고 있는 감성을 어떻게 채우느냐 여부가 중요하다고 생각합니다. 내가 그저 보는 것하고 원하는 것을 얻어내기 위해서 보는 것은 항상 자기가 스스로준비를 해서 키워 나가는 것이라고 생각합니다.
채지민 (b. 1983)
채지민은 회화의 평면성과 공간성에 대한 지속적인 탐구로 작업을 진행하며 2023년 상하이 에르메스와의 개인전 <Overwhelming Crash>을 진행하는 등 국내외에서 주목받는 작가이다. 주요 전시로는 <Walk Stay Gaze>(아뜰리에 아키, 서울, 2022) <Selected Scene> (옵스큐라, 서울, 2020), <들판에서>(노블레스컬렉션, 서울, 2019), <하나의 풍경들>(갤러리엠, 서울, 2017), <In the End, We Are All Alone>(Griffin Gallery, 런던, 2016) 등이 있으며, 그는 Art Miami와 Art Basel Hong Kong 등 다수의 아트페어에도 참여하고 있다. 서울대학교 미술대학 서양화과 학사과정(B.F.A)을 마치고 영국 첼시 대학에서 순수미술 학위(M.F.A)를 받았다.
Artist’s Note
나의 그림은 삶의 순간순간에 발견되는 이미지의 파편들의 섬세한 조합이다. 지극히 현실적인 경험의 시간 속에서 선택된 기억의 조각들은 나의 그림 안에서 걷거나, 쉬거나, 바라보거나, 머무르며 그 본연의 행위를 이어간다. 각각의 사연은 잠시 뒤로 하고, 사각의 화면 안에서 자신의 역할을 부여받지만, 결국에는 그다지 어울리지 못하고 서로에게 그저 모호한 관계로 머문다. 낯설고 부자연스러운 장면들의 조합은 ‘이야기’가 되지 못한 채, 보는 이로 하여금 좀처럼 이해할 수 없는 ‘상황’으로만 남을 뿐이다. 아직은 아무 일도 일어나지 않은, 하지만 곧 어떠한 사건이 일어날지도 모르는 그 직전의 순간인 것이다. 나의 회화에서 드러나는 시공간은 여전히 ‘불특정’하다. 서로 다른 시간과 공간으로부터 선택한 이미지들(구조물, 오브제, 인물)을 오직 조형성 에만 의거하여 배치함으로써 화면 안에 어색한 조화를 이루어 낸다. 연관성이 없는 객체들은 각기 존재할 뿐 공존하지 않으며, 그저 위화감을 조성할 뿐이다. 나는 결코 이야기를 만들려 하지 않으며, 작업이 끝나는 순간에도 결코 스스로 정의 내릴 수 없는 화면을 추구 한다. 그렇기에 화면 곳곳에 배치된 인물들과 오브제들은 캐릭터를 잃고 제스처만 남은 채로 부유한다.
허승희 (b. 1984)
허승희는 한국의 문화재를 현대적으로 재해석하며 전통적 소재와 동양화 기법, 사실적 표현력을 결합한 작업을 지속해왔다. 주요 개인전 으로는 청운(옵스큐라, 2024), 더프리뷰 아트페어(옵스큐라, 2023), 연적硯滴, 물들다(모리함전시관, 2022)가 있다. 2018년 외교부 주최 한국의 아름다움 공모전 수상과 2016년 국립생물자원관 주최 자생 동· 식물 세밀화 공모전 우수상을 수상하였다. 서울대학교 미술대학 동양화과 와 고고미술학과를 졸업하고, 동 대학원에서 석사 학위를 받았다. 현재 서울대학교 미술품보존연구센터에서 복원 및 모사본 선임 연구원으로 재직 중이다.
Artist’s Note
소장하고 싶은 우리 문화재
10여 년간 문화재 복원과 모사 연구를 하며, 박물관 수장고에서 가까이 본 우리 문화재의 아름다움과 섬세함에 매번 감탄했습니다. 특히 2년 전 국립중앙박물관 어느 수집가의 초대 전시에서 감상했던 청채 개구리 모양 연적은 제 작업의 시작이 되었습니다. 유리장 안에 있던 연적을 화폭으로 옮기며 감상과 소장의 욕구가 채워지는 경험을 했고, 이후 우리 문화재를 회화로 표현해 그 가치와 아름다움을 대중과 나누고자 하는 작업을 이어가고 있습니다. 첫 작업으로 선택한 연적 (硯滴)은 벼루에 물을 공급하는 실용적인 도구이자 문방의 장식품으로, 백자 연적은 정교한 형태와 다양한 문양으로 예술적 가치를 지니고 있습니다. 잉어 연적은 등용문, 수탉은 출세, 복숭아형은 무병장수를 상징하며, 이러한 형태와 문양은 완상(玩賞)의 대상이 된 이유이기도 합니다. 연적은 실용성을 넘어 감상의 욕구를 충족시키기 위해 만들어진 예술품이었습니다. 이번 작업의 주제는 우리 문화재 속 '용'입니다. 용은 복을 상징하는 길상(吉祥)의 존재이자 최고 권위와 힘의 상징으로 사랑받아 왔습니다. 비와 구름을 다스리는 수신(水神) 으로도 여겨지며, 조선시대의 연적, 필통, 항아리 등에 신령스러운 모습으로 담겨왔습니다. 2024년 갑진년, 청룡의 해를 맞아 이 작업을 통해 용의 기운이 모든 분들에게 전해지기를 바랍니다. 작품 속 대상을 화면 중앙에 배경 없이 배치해 문화재의 아름다움을 강조했으며, 실물보다 크게 표현해 섬세함을 극대화 했습니다. 자연의 색과 질감을 살린 바탕재 위에 백자의 미감을 담아 오래 보아도 질리지 않는 차분함과 편안함을 전하고자 했습니다. 이번 작업이 문화재의 가치와 아름다움을 새롭게 바라볼 기회를 제공하기를 바랍니다.
홍장오 (b. 1972)
홍장오는 옵스큐라, 경기도미술관, Tenderpixel 갤러리, 아마도 예술공간 등에서 다수의 개인전 및 그룹전에 참여하였으며, 프랑스 낭뜨의 APO33(2010), 몽인 아트스페이스(2014), 경기창작센터 (2018) 등의 레지던시 프로그램에 참여하였다. 다양한 공공미술 프로젝트와 공간 연출가로서도 활동을 이어가고 있다. 중앙대학교 미술대학 조소학과 학사와 동 대학원 석사과정을 마치고 영국 골드스미스 대학교에서 순수미술 학위(M.A.)를 받았다.
Artist’s Note
나의 작업은 다양한 환경의 물리적 조건들이 우연히 만나는 교차점 들의 합이다. 이를 위해 생물과 무생물. 생체와 기계가 혼재된 비현실성의 토대에서 발생될 수 있는 새로운 형태의 가상체를 구현하는 작업을 하고 있다. 우리가 처한 물리적 환경에서 융합과 이탈의 어지러운 움직임 속에서 이루어지는 수많은 교차점에서 상상적이고 창의적인 형태적 발상들을 기록하고, 창작 과정의 복잡성과 불확정성, 물질의 상호작용이 만들어내는 변환의 가능성을 탐구하고 있다. 새로운 개체들 만들어 가는 과정은 비선형적이고 비계획적이며, 물질의 시각적, 물리적 반응 의 우연성을 적극적으로 작업에 활용한다. 불규칙한 배열과 대칭, 중력에 의한 자연적 힘의 변화 등이 작업의 주요한 동력이 되며, 물질과 물질 간의 상호작용 에서 살아 있음과 죽음의 단서를 찾으며 공간을 재구성한다. 창작 과정에서의 불확실성과 잠재적 가능성으로 인한 창의적인 결과를 통해 예술 창작의 본질을 찾고자 노력하고 있다.
홍정욱 (b. 1976)
홍정욱은 <ONGOING>(노블레스 컬렉션, 서울, 2024), <ENTITY>(옵스큐라, 서울, 2022), <DIA>(갤러리 SP, 서울, 2020) 등 13회의 개인전을 개최하였으며, 독창적인 입체적 조형 언어를 다양한 전시를 통해 선보여 왔다. 주요 수상으로는 김종영미술관 오늘의 작가(2013), Guasch Coranty International Painting Prize(2010, finalist, 바르셀로나), New Contemporaries(2009, finalist, 런던), 제4회 송은미술대전(2004, 입선, 서울)이 있다. 그의 작업은 서울시립미술관, OCI미술관, 현대카드, 유진투자증권, 국립현대미술관 미술은행 등에 소장되어 있다. 홍익대학교에서 회화과와 일반대학원 회화과를 졸업하고 런던대학교 슬레이드 미술 대학원(UCL Slade School of Fine Art, UK)에서 석사 학위(MFA)를 받았으며, 중앙대학교 첨단영상 대학원에서 예술공학 박사 학위를 받았다.
Artist’s Note
평면회화에서 구조적 입체 회화로의 변주 회화적 요소를 기반으로 화면 구조를 독창적으로 재구성한다. 회화적 요소(점, 선, 면)를 고집 하면서 그 의미와 형태를 변형해 평면 회화에서 구조적 입체로 그리고 공간과 조화를 이루려 한다. 공간을 다시 거대한 작품으로 생각하고 그 안에 다시 작품을 하나의 요소로 배치하는 방식으로 각각의 작품은 공간과 함께 호흡하며 설치와 평면 사이에서 독특한 조화로 다시 하나의 작품을 보여주고자 한다. 그러므로 입체적 평면 회화와 회화적 구조주의 입체의 경계를 넘나드는 형식주의 작품 실험을 다각적으로 시도하고 있다. 고정관념에서 벗어나 확장성을 탐구하며 사각형 평면을 넘어 면을 깨고 구조로, 그리고 공간으로 확장하는 작업을 하는 것이다. 작업에 본질의 탐구가 주안점이었다면, 지금은 형식주의에 관심을 가지므로 담론의 무게를 줄이고 시각예술에서 시각을 정공법(?)을 탐구하고자 한다. 특히, ‘환경에 따른 구조적 형식주의'이라고 본인은 표방하는데, 여기서 '환경'은 주어진 상태인 '상황(situation)'과 '기반(ground)'의 의미에 가깝습니다. 그라운드는 교육, 인종 그리고 국적인 백그라운드(background)가 될 수도, 작가에게 필요한 작업실, 전시장인 플레이그라운드(playground)를 이야기하고 그것은 상황에 따라 계속 변화하기에 ‘그라운딩(grounding)’ 이라고 할 수 있다. 그러므로 지금 본인은 ‘그라운딩 포멀리즘(grounding formalism)’ 집중해서 끊임없이 고민하고 있다. “작품의 마침표는 작업실이 아니라 연출되는 공간에서 찍어야 한다” 인터뷰에도 이야기했듯이 작품은 항상 시각적으로 공간과 조화를 이루어야 한다고 생각한다.
Kim Duck Yong (b. 1961)
Kim Duck Yong modernizes Korean emotions and aesthetics through traditional materials such as wood, mother-of-pearl, rubbings, and dancheong (traditional Korean decorative coloring). His works explore the philosophy of the relationship between nature and humanity. Recent notable solo exhibitions include Life – Light and Texture (Gallery Now, Seoul, 2024), Longing – Soaked in Texture (POSCO Art Museum, Seoul, 2023), and Ocean Rhapsody (Soluna Fine Art, Hong Kong, 2023). His works are part of collections at institutions such as the Gyeonggi Museum of Modern Art, the National Museum of Modern and Contemporary Art, the National Maritime Museum, Seoul Museum of Art, and overseas locations like the Swiss Embassy in Korea and the Abu Dhabi Department of Culture and Tourism. Kim earned a bachelor's degree in Painting and a master's in Oriental Painting from Seoul National University.
Artist’s Note
In the beginning, were we but a dot in the universe. A single dot born from hyeon (the void) emerges as life, only to return as light to its origin. This dot, scattered like a seed in the deep recesses of the mind, blossoms into new life, reflecting back to us a warmth of emotion. A dot is a seed, and a seed is life. Though its form may change, life never vanishes; it remains eternally as a single dot in the hearts of those it has touched.
Bae Bien-U (b. 1950)
Bae Bien-U has maintained an international presence since his first solo exhibition in 1982. Notably, in 2006, he became the first Asian photographer to hold a solo exhibition at the Thyssen-Bornemisza Museum in Spain. At the request of the Spanish government, he spent two years photographing the gardens of the Alhambra, which were subsequently displayed in a traveling exhibition at the Alhambra and Deoksugung Palace Museum in Seoul. Other major exhibitions include the Gwangju Museum of Art (2015), Saint-Étienne Museum of Art in France (2015), Château de Chambord (France), and the Wilmotte Foundation (2022, Venice, Italy). Bae received the Lee Jung-Seob Art Award in 2016 and was awarded the French Ordre des Arts et des Lettres (Chevalier) in 2023. He holds both a bachelor's and master's degree in Applied Arts from Hongik University.
Artist’s Note
In my thirties, my interest in traditional Korean painting grew significantly, leading me to frequent the Kansong Art Museum. Studying the Jingyeong sansuhwa (true-view landscape paintings) of artists like Danwon Kim Hong-Do and Gyeomjae Jeong Seon, I began contemplating the essence of Korean aesthetics. I found my answer in pine trees. Just as pine trees appear in nine out of ten of Jeong Seon's paintings, they are deeply intertwined with the lives of the Korean people. Historically, our ancestors built homes with pine wood, lit fires with it, and were buried in pine coffins. Even pine trees were planted near graves. The Korean word for pine (sonamu) combines the characters for "tree" (mok, 木) and "eternal integrity" (gong, 公), making it a symbol of Korea itself.
In 1984, during a visit to Naksansa Temple, I stumbled upon a pine tree and had an epiphany: "This is Korea." From that day on, I began traveling the country to photograph pine trees. Among them, the pine trees of Angang, Gyeongju, stood out with their winding forms and dynamic strength, making them the perfect subject to capture the vitality and energy of nature.
Photography, to me, is the process of reading light. By shooting just before and after sunrise and using backlighting, the light appears white, while the tree turns black. This is not mere backlighting; I meticulously adjust tones and contrasts, enhancing the details during development to emphasize the texture and strength of the pine trees. Capturing the fine details, down to each pine needle, requires precise calculations of exposure and printing.
In 1995, I once decided to stop photographing pine trees. However, an invitation to exhibit at Japan's Mito Art Museum brought international attention to my work and renewed my determination to continue this lifelong project. When Japanese friends affectionately called me "Mr. Matsu" (松, pine), I realized again that this work transcends photography. For me, pine trees are not just a subject. They embody the spirit of Korean aesthetics and the essence of nature, making them a lifelong theme.
I walk this path with the conviction that, one day, my work with pine trees will be recognized across generations. Quietly and steadfastly, I will continue this journey with them.
Joo Myung Duck (b. 1940)
Joo Myung Duck held his first solo exhibition, Photo Essay: Holt's Orphanage, in 1966 at the Seoul Central Public Information Office. From 1968 to 1973, he worked as a photojournalist and editorial planner for Monthly JoongAng. In 1979, he founded the publishing house Sigak and continued his photography work alongside various publishing projects. His Outsiders of Korea series from the 1960s focused on Holt's Orphanage, the U.S. military base village Yongjugol, and Incheon's Chinatown, as well as socially conscious documentary projects like the Seoul Municipal Children's Hospital. From the mid-1970s, Joo gained recognition for capturing the beauty of traditional Korean spaces and architecture. In the 1980s, he shifted to themes of nature and urban landscapes, culminating in his Black Scenery series. Joo received the Paradise Culture and Arts Award in 2010. He studied history at Kyung Hee University's College of Liberal Arts.
Artist’s Note
When I worked on documentaries, there were two key aspects for me. One was maintaining a certain distance in my relationship with the subject, ensuring not to cross a certain line. The other was relying solely on my own perspective, rather than trying to explain my photographs to the viewers. Instead of aiming to depict a specific region or location, I believed that selecting and showcasing the most striking scenes I felt would appeal to a broader audience. This belief remains unchanged even today.
The early Magnum members' photographs were my textbook. W. Eugene Smith and William Klein also influenced me significantly. Additionally, essays featured in Life and Look magazines shaped my worldview. When I look at these photographs now, I can recognize whose influence each image reflects. Back then, whenever I saw a great photograph, I tried to replicate it in some way. Over time, I absorbed these influences and developed my own approach. For example, I might have ensured the subject's eyes always made direct contact with me, as one such method.
What I refer to as "intuition" carries many Zen-like qualities. It could be understood as an intuition that is accumulated through unseen effort and inner growth. I believe this interpretation aligns with my intent. To me, what matters is how one nurtures the sensitivity inherent in instinct. Observing passively versus actively seeking what you desire to capture is a process of continual preparation and personal growth.
Chae Ji Min (b. 1983)
Chae Ji Min is a prominent artist known for her ongoing exploration of the flatness and spatiality of painting. She has gained recognition both domestically and internationally, including her 2023 solo exhibition Overwhelming Crash with Hermès in Shanghai. Her notable exhibitions include Walk Stay Gaze (Atelier Aki, Seoul, 2022), Selected Scene (Obscura, Seoul, 2020), In the Fields (Noblesse Collection, Seoul, 2019), A Landscape of One (Gallery EM, Seoul, 2017), and In the End, We Are All Alone (Griffin Gallery, London, 2016).Chae has also participated in prominent art fairs such as Art Miami and Art Basel Hong Kong. She earned her B.F.A. in Western Painting from Seoul National University and her M.F.A. in Fine Art from Chelsea College of Arts in London.
Artist’s Note
My paintings are a delicate composition of fragments of images discovered in the moments of life. Within the highly realistic passage of time shaped by personal experiences, selected pieces of memory walk, rest, gaze, or linger within my paintings, continuing their inherent actions. While each carries its own story, these fragments are assigned roles within the rectangular frame, yet they ultimately remain somewhat incompatible, existing in ambiguous relationships with one another.
The combination of unfamiliar and unnatural scenes fails to form a coherent "narrative," instead leaving viewers with an incomprehensible "situation." It is the moment just before something might happen—where nothing has occurred yet, but the possibility of an event looms. The time and space revealed in my paintings remain deliberately "undefined." By arranging images (structures, objects, figures) selected from different times and spaces solely based on their formal qualities, I create a subtle discord within the frame.
These unrelated elements exist independently rather than coexisting, generating only a sense of incongruity. I never attempt to construct a story, nor do I aim to define the canvas, even as the work reaches its conclusion. Thus, the figures and objects scattered throughout the composition lose their identities, leaving behind mere gestures that drift aimlessly within the scene.
Huh Seonghee (b. 1984)
Huh Seonghee has been reinterpreting Korea's cultural heritage through a contemporary lens, combining traditional materials, Oriental painting techniques, and realistic expressions in her works. Her notable solo exhibitions include Cheongwoon (Obscura, 2024), The Preview Art Fair (Obscura, 2023), and Yeonjeok: Inkstone Water Droppers, Immersed (Moriham Gallery, 2022). She received the Korea’s Beauty competition award organized by the Ministry of Foreign Affairs in 2018 and the Excellence Award in the Korean Indigenous Flora and Fauna Illustration Contest hosted by the National Institute of Biological Resources in 2016. Huh holds dual bachelor's degrees in Eastern Painting and Archaeology & Art History from Seoul National University, where she also completed her master's degree. She is currently a senior researcher specializing in restoration and reproductions at the Seoul National University Art Conservation Research Center.
Artist’s Note
Cultural Heritage I Wish to Possess
For over a decade, I have dedicated myself to the restoration and reproduction of cultural artifacts. During this time, I have often marveled at the beauty and intricate details of our cultural heritage, observed up close in museum storage rooms. Two years ago, I had a transformative experience while viewing an exhibition at the National Museum of Korea, featuring a collector’s treasures. Among the items displayed, a celadon frog-shaped water dropper left a profound impression on me and marked the beginning of my current artistic journey. Translating the water dropper from a glass case to my canvas not only allowed me to appreciate its beauty but also fulfilled a desire to possess it. Since then, I have been creating paintings of our cultural artifacts, hoping to share their value and beauty with the public. My first choice was the yeonjeok (硯滴), a practical tool designed to supply water to an inkstone and a decorative item for the scholar’s study. Porcelain water droppers, with their refined shapes and diverse patterns, hold immense artistic value. Designs such as the carp (symbolizing success), rooster (symbolizing achievement), and peach (symbolizing longevity) illustrate why these objects have been prized as collectibles. The yeonjeok transcends functionality; it is a true work of art created to satisfy the desire for aesthetic enjoyment. For this series, I chose “dragons” as the theme, drawing from their prominent role in our cultural heritage. Dragons, revered as symbols of blessings, power, and authority, are also considered water deities that govern rain and clouds. Their divine imagery has been captured in items such as water droppers, brush holders, and jars from the Joseon Dynasty. With 2024 being the Year of the Blue Dragon (Gapjin), I hope this work conveys the dragon’s auspicious energy to all. In my paintings, I place the artifact at the center of the composition, devoid of a background, to highlight its beauty. By depicting the subject larger than life, I amplify its intricate details. Using natural hues and textures as a foundation, I aim to capture the serene elegance of porcelain, evoking a calm and timeless quality. I hope this series offers viewers a fresh perspective on the value and beauty of our cultural heritage.
Hong Jangoh (b. 1972)
Hong Jangoh has participated in numerous solo and group exhibitions at venues such as Obscura, Gyeonggi Museum of Modern Art, Tenderpixel Gallery, and Amado Art Space. He has also taken part in residency programs at institutions including APO33 in Nantes, France (2010), Mongin Art Space (2014), and Gyeonggi Creation Center (2018). In addition to his artistic practice, he has been active in various public art projects and as a spatial designer. Hong earned his bachelor's and master's degrees in Sculpture from Chung-Ang University's College of Fine Arts and later completed an M.A. in Fine Art at Goldsmiths, University of London.
Artist’s Note
My work is a synthesis of intersecting points where the physical conditions of diverse environments meet by chance. To achieve this, I create new forms of virtual entities that arise from a foundation where the organic and inorganic, the biological and the mechanical, coexist. Within the chaotic dynamics of fusion and divergence in our physical surroundings, I document imaginative and creative formal concepts generated at these intersections. I explore the complexity and uncertainty of the creative process and the transformative possibilities that emerge from the interactions of materials. The process of creating new entities is nonlinear and unplanned, actively utilizing the randomness of the visual and physical responses of materials. Irregular arrangements, symmetry, and changes driven by natural forces such as gravity form the core of my work. Through the interactions between materials, I seek to uncover hints of life and death while reconfiguring space. By embracing the uncertainty and latent possibilities inherent in the creative process, I aim to discover the essence of artistic creation.
Hong Jung Ouk (b. 1976)
Hong Jung Ouk has held 13 solo exhibitions, including ONGOING (Noblesse Collection, Seoul, 2024), ENTITY (Obscura, Seoul, 2022), and DIA (Gallery SP, Seoul, 2020). His innovative three-dimensional artistic language has been showcased in various exhibitions. His key awards include the Today’s Artist award from Kim Jong-Young Museum of Art (2013), the Guasch Coranty International Painting Prize (2010, finalist, Barcelona), New Contemporaries (2009, finalist, London), and the 4th Song Eun Art Competition (2004, selected, Seoul). His works are part of collections at institutions such as the Seoul Museum of Art, OCI Museum of Art, Hyundai Card, Eugene Investment & Securities, and the National Museum of Modern and Contemporary Art Art Bank. Hong graduated from Hongik University with a degree in Painting and furthered his studies with a Master of Fine Arts (MFA) from UCL Slade School of Fine Art in London. He also holds a Doctorate in Art Engineering from the Graduate School of Advanced Imaging at Chung-Ang University.
Artist’s Note
I reconstruct the structural composition of a painting based on its flatness, evolving it into a spatial form while maintaining the fundamental elements of painting (dots, lines, and planes). I transform these elements and aim to harmonize them within the space, thinking of the space itself as a large artwork, with each piece placed as an element within it. The works breathe with the space and aim to present a unique harmony between installation and two-dimensional art. Thus, I continuously experiment with formalist works that traverse the boundary between dimensional flat painting and structuralist three-dimensional painting. Breaking free from stereotypes, I explore the expansiveness of the medium, expanding from the flat square plane to structures and space. Initially, my focus was on exploring the essence of my works, but now I am more interested in formalism, reducing the weight of discourse and exploring visual art through a "methodical" visual approach. I refer to this as “structural formalism according to the environment,” where “environment” closely aligns with the concepts of "situation" and "ground." The ground could refer to background elements such as education, race, or nationality, or the essential spaces for the artist, such as studios and exhibition spaces. These environments change according to the situation, leading to what I call "grounding." Therefore, I am deeply focused on "grounding formalism," constantly reflecting on its implications. As I mentioned in an interview, I believe that the final period of a work should not be in the studio but in the space where it is staged. The artwork, to me, must always achieve visual harmony with the surrounding space.
Archival Activism: Discourses through Seven Artbooks
아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론 아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론
김덕용, 배병우, 주명덕, 채지민, 허승희, 홍장오, 홍정욱
Kim Duck Yong, Bae Bien-U, Joo Myung Duck, Chae Ji Min, Huh Seonghee, Hong Jangho, Hong Jung Ouk
2024.12.18~2025. 1.11
Obscura 3
아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론 아카이벌 엑티비즘: 일곱개의 예술 책과 담론
김덕용, 배병우, 주명덕, 채지민, 허승희, 홍장오, 홍정욱
Kim Duck Yong, Bae Bien-U, Joo Myung Duck, Chae Ji Min, Huh Seonghee, Hong Jangho, Hong Jung Ouk
2024.12.18~2025. 1.11
Obscura 3