신, 신성함과 불경스러움
GOD: The Sacred and the Profane
김이박, 지민석
Kim Lee Park, Chi Minseok
GOD: The Sacred and the Profane
김이박, 지민석
Kim Lee Park, Chi Minseok
지민석, 코신개병도, 2025, 캔버스에 아크릴, 싱글 패널 비디오, 각목, 폴리우레탄, 220x180x20cm
지민석, 문자도_코카콜라 코, 2025, 캔버스에 아크릴, 90x60cm
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지민석, 코카콜라 부적 1, 2, 2025, 한지에 아크릴, 금니, 각 118x43cm
김이박, 소코뚜레, 2023, 캔버스에 아크릴, 45.5x45.5cm
김이박, 고사_향로, 2023, 캔버스에 아크릴, 25.8x17.9cm
김이박, 고사_삼색나물, 2023, 캔버스에 아크릴, 32x41cm
김이박, 고사_배, 2023, 캔버스에 아크릴, 41x32cm
김이박, 고사_오색전, 2023, 캔버스에 아크릴, 35x24.5cm
김이박, 고사_감, 2023, 캔버스에 아크릴, 35x24.5cm
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김이박, 고사_돼지머리, 2023, 캔버스에 아크릴, 45.5x45.5cm
김이박, 고사_수박, 2023, 캔버스에 아크릴, 41x32cm
김이박, 고사_두부전, 2023, 캔버스에 아크릴, 35x24.5cm
김이박, 고사_빈대떡, 2023, 캔버스에 아크릴, 27.3x22cm
김이박, 고사_바나나, 2023, 캔버스에 아크릴, 41x32cm
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김이박, 고사_향로, 2023, 캔버스에 아크릴, 41x32cm
김이박, 고사_대추, 밤, 2023, 캔버스에 아크릴, 32x41cm
김이박, 고사_사과, 2023, 캔버스에 아크릴, 41x32cm
김이박, 고사_약과, 2023, 캔버스에 아크릴, 27.3x22cm
김이박, 고사_샌드과자, 2023, 캔버스에 아크릴, 35x24.5cm
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지민석, 코카콜라 코 선원족자, 2025, 한지에 아크릴, 먹, 110x40cm
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지민석, 코카콜라 코, 2025, 한지에 아크릴, 먹, 73x33cm
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지민석, 코카콜라 코, 코카콜라, 2024, 한지에 아크릴, 각각 170x75cm
김이박, 비치 발리볼, 2023, 캔버스에 아크릴, 90.7x72.7cm
김이박, 아폴로 눈병, 2023, 캔버스에 아크릴, 가변크기
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김이박, 노심초사_연작, 2018, 아버지 편지 위에 혼합재료, 29x21cm
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김이박
미신과 금기_문지방 밟지 마라, 미신과 금기_엄지손가락 빨지 않기, 미신과 금기_찻잎이 섰다, 미신과 금기_이빠진 그릇, 미신과 금기_15번의 명주실 매듭
2023, 부적 종이 위에 혼합재료, 21x29cm
미신과 금기_문지방 밟지 마라, 미신과 금기_엄지손가락 빨지 않기, 미신과 금기_찻잎이 섰다, 미신과 금기_이빠진 그릇, 미신과 금기_15번의 명주실 매듭
2023, 부적 종이 위에 혼합재료, 21x29cm
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김이박
미신과 금기_다래끼 남에게 전달하기, 미신과 금기_베게 세우지 마라, 미신과 금기_한숨 쉬지마라, 미신과 금기_정신 차리게 하는 법, 미신과 금기_수저 꽂지마라, 미신과 금기_ 낮 거미는 죽이지마라
2023, 부적 종이 위에 혼합재료, 29x21cm
미신과 금기_다래끼 남에게 전달하기, 미신과 금기_베게 세우지 마라, 미신과 금기_한숨 쉬지마라, 미신과 금기_정신 차리게 하는 법, 미신과 금기_수저 꽂지마라, 미신과 금기_ 낮 거미는 죽이지마라
2023, 부적 종이 위에 혼합재료, 29x21cm
신, 신성함과 불경스러움 GOD: The Sacred and the Profane, Installation in Obscura, 2025
옵스큐라는 12월 3일부터 20일까지 김이박·지민석 두 작가와 〈신, 신성함과 불경스러움〉을 개최한다. 본 전시는 신을 고정된 실체가 아니라 관계와 경험 속에서 드러나는 형상화로 이해한다. 인간·비인간·사물·자연·기술이 교직(交織)되는 장(場)에서 혼성적 존재가 출현하는 장면을 탐구하며, 신성과 불경은 고정된 본질이 아니라 사건처럼 발생하는 만남과 긴장 속에서 의미·형식·감각·규범이 재배치된다. 특히 ‘인간/비인간’의 접속부에서 감응과 행위성의 지형이 재편되며, 관람은 재현을 넘어 ‘작동’과 ‘내 작용’의 체험으로 전환된다.
신성은 언제나 구별과 금지의 질서를 호출하며, 일상의 표면 위로 돌출하는 현현을 통해 세계를 다시 정초하는 순간을 만들어 낸다. 이 체험은 이성으로 환원되지 않는 전율과 매혹의 층위를 수반하고, 회화적 표면·빛·색·촉각적 질감·공간의 응답이 겹쳐지며 현전을 생성한다. 이 현현은 ‘인간/비인간’의 접면에서 더욱 뚜렷해지며, 상징은 물질적 제스처와 얽혀 감각적 사건으로 변환된다. 반면 불경은 분류 체계가 비틀리는 지점, 즉 제자리를 벗어난 것이 드러나는 균열에서 발생한다. 금기와 위반은 서로를 필요로 하고, 혐오/배제의 경계는 정체성과 질서를 동요시켜 기존의 분류를 재구성하게 만든다. 더 나아가, 성스러움으로 격리된 대상을 공용의 차원으로 되돌리는 세속화는 ‘성/속’의 틀을 ‘인간/비인간’의 얽힘 속에서 다시 보게 하는 창으로 작동한다.
이 전시는 이러한 사유를 단순 ‘재현’이 아니라 현대미술의 문법으로 확장한다. 김이박은 미신과 금기, 고사, 부적·소망 등에서 비롯된 도상과 문자를 회화적 표면과 재단된 캔버스·설치 매체에 재기입한다. 특히 〈미신과 금기〉 시리즈는 ‘문지방을 밟지 마라’, ‘베개를 세우지 마라’, ‘한숨 쉬지 마라’와 같은 일상의 작은 몸짓을 통해 신과 인간 사이에 설정된 보이지 않는 경계와 거리두기를 환기한다. 그 이유가 비이성적이라 해도 우리는 이를 알고도 쉽게 무시할 수 있을까? 금기의 언어적 규범과 지지체의 물질성이 겹쳐지는 이 지점에서 신성의 작동이 ‘말–행동–표면’의 관계 속에서 다시 사유된다.
김이박에게서 기호는 단순한 표상이 아니다. 부적 종이 위에 형상화된 상징들은 여린 드로잉의 질감을 지니며 지시나 강요의 힘을 약화시키고, 무속적·습관적·제례적·문화적 요소들이 자연스럽게 스며든 기호적 풍경을 이룬다. 그는 두려움과 금기의 이미지를 삶의 시간 속 흔적으로 되돌리고, 때로는 기억을 환기하는 부드러운 이미지로 전환한다. 이때 “신이란 인간에게 무엇인가? 우리가 믿는 것은 무엇인가?”라는 질문은 거창한 명제가 아니라, 할머니의 말 같은 작은 현실의 행동 지침으로 유희와 아이러니 속에서 되살아난다. 레이어의 중첩과 모듈 패널의 설치적 결합은 언어(인간의 상징 체계)와 지지체(비인간의 물질성)의 교차를 드러내며, 의미가 생성되는 과정을 하나의 감각적 시간으로 현전시킨다.
지민석은 익숙함 속에 가려진 세계의 신성을 다시 호출하는 예술적 주술을 수행한다. 그는 동양화의 형식과 정신을 기반으로 회화·음악·텍스트·퍼포먼스·설치로 확장되는 다원적 감각 구조를 구축하며, 전통적 종교 의례와 국악, 무속의 미학을 오늘의 언어로 재활성화한다. 이러한 작업은 신의 형상화를 매개 삼아 신체·사물·환경의 상호침투를 시각화하고, 혼성적 매개체를 구성한다. ‘인간/비인간’의 경계를 촉각적으로 가시화하고, 의례와 일상이 동일 화면에서 공존하는 ‘리미널(문턱)한’ 순간을 생산한다. 화면의 내·외부—프레임, 오색선, 음율—은 하나의 ‘현대적 의례’로 편입되며, 관객을 일상의 감각 너머로 이끄는 통로가 된다.
그의 코카콜라 시리즈는 포스트-페티시즘의 관점에서 자본주의적 물질이 현대의 새로운 신으로 출현하는 방식을 탐구한다. 작품은 천지의 지나친 밝기 속에서 길을 잃은 인간 앞에 지혜로운 존재(코카콜라)가 나타나 투명한 몸속 현묘한 기운을 뿜어 길을 만든다는 서사를 따른다. 이 존재는 신묘함을 흘려 보낼수록 되레 가득 차 모든 신령을 담는 ‘병(甁)’이 되는 역설을 지니며, 소비재의 표면을 다시 ‘의례의 장’으로 호출하는 주술적 전환을 보여준다. 이러한 신화 구조는 전통 불화와 문자도, 제례 형식을 통해 재번안되며, 물질과 영혼·자본과 주술이 뒤섞이는 지점을 현대 회화의 층위로 가시화한다.
〈신, 신성함과 불경스러움〉 전시에서의 ‘신성’은 권위의 표상에 머물지 않는다. 그것은 신과 맞닿는 순간 발생하는 몰입·경외·긴장의 층위이며, 작품은 단순 재현을 넘어 장치/배치로서의 작동성을 획득한다. 반대로 ‘불경’은 무조건적 도발이 아니라 전환의 조건이다. 금기의 프레임을 비틀고, 경계의 안정성을 교란하며, 분리된 것을 다시 사용 가능하도록 환원하는 과정 속에서, 관객은 ‘인간/비인간’의 이분법이 절대값이 아니라 조정 가능한 프로토콜이었음을 경험한다.
결국 〈신, 신성함과 불경스러움〉은 신을 단일한 본질로 호명하지 않는다. 혼성의 존재들이 빚어내는 다층적 관계망 속에서 신은 현상적·관계적 존재로 출현한다. 관객은 작품과의 상호작용 속에서, 신성이 감각–경험의 장으로 체현되고 불경이 규범·분류의 장치를 전환하여 새로운 의미의 공간을 개방하는 장면을 목격하게 될 것이다. 이때 ‘성/속’의 문제틀은 ‘인간/비인간’의 얽힘 속에서 재설정되며, 경계는 고정 규칙이 아니라 ‘만남이 만들어내는 역학’—설정과 해제, 위반과 재기입의 리듬—으로 작동한다.
그리고 이러한 관계적·현상적 신성의 장 앞에서 인간들은 다시금 소망과 희망을 엮는다. 이는 초월적 존재로의 회귀가 아니라 서로의 삶을 축복하고 미래를 기원하는 공동의 몸짓에 가깝다. 전시는 서의철 소리꾼의 ‘비나리’를 통해 모든 이들의 앞날에 복(福)과 평안을 기원하는 오프닝 퍼포먼스로 문을 연다. ‘비나리’는 이 전시의 주제처럼 의례와 일상, 인간과 비인간, 신성함과 세속성을 가로지르며 관객의 몸과 공간에 울림을 남긴다.◼️옵스큐라
From December 3 to 20, OBSCURA presents GOD: The Sacred and the Profane, a two-person exhibition by artists Kim Lee Park and Chi Minseok. The exhibition approaches “god” not as a fixed entity, but as a figuration that emerges through relations and lived experience. It explores scenes in which hybrid beings appear within a field where humans, nonhumans, objects, nature, and technology are interwoven. In this field, the sacred and the profane are not stable essences but configurations that arise—like events—from encounters and tensions in which meaning, form, sensation, and norms are continually rearranged. In particular, at the point of contact between “human/nonhuman,” the terrain of affect and agency is reshaped, and viewing shifts beyond representation toward an experience of “operation” and inner activation.
The sacred always invokes an order of separation and prohibition, producing moments that re-found the world through eruptions of manifestation onto the surface of the everyday. Such experiences carry a stratum of tremor and fascination irreducible to reason, as painterly surface, light, color, tactile texture, and spatial resonance overlap to generate presence. This manifestation becomes especially pronounced along the interface of “human/nonhuman,” where symbols become entangled with material gestures and are converted into sensorial events. The profane, by contrast, arises where systems of classification twist—where things slip out of place and reveal fissures. Taboo and transgression depend on one another; the boundaries of disgust and exclusion unsettle identity and order, forcing existing classifications to be reorganized. Furthermore, processes of secularization—through which objects quarantined as sacred are returned to a shared, common domain—operate as a lens that allows the schema of “sacred/profane” to be re-examined within the entanglement of “human/nonhuman.”
This exhibition extends such thinking not as mere “representation,” but as a grammar of contemporary art. Kim Lee Park re-inscribes motifs and texts drawn from superstitions, taboos, old tales, talismans, and wishes onto painterly surfaces, cut canvases, and installation-based media. In particular, the Superstitions and Taboos series recalls the invisible boundaries and distances set up between humans and gods through small everyday gestures such as “Don’t step on the threshold,” “Don’t stand your pillow upright,” and “Don’t sigh.” Even if the reasons behind such instructions seem irrational, can we easily ignore them once we know them? At the point where the linguistic norms of taboo and the materiality of their supports overlap, the workings of the sacred are reconsidered through the relationship between word, action, and surface.
For Kim, signs are never mere representations. Symbols rendered on talisman paper carry the delicate texture of drawing, softening the force of instruction or command and forming a symbolic landscape into which shamanistic, habitual, ritual, and cultural elements naturally seep. The artist returns images of fear and taboo to traces within the time of everyday life, and at times transforms them into gentle images that trigger memory. In this register, questions such as “What is a god to humans? What is it that we believe?” do not remain grand metaphysical propositions, but resurface as small, practical guidelines for living—like something a grandmother might say—revived through play and irony. The overlapping of layers and the modular combination of panels as installation reveal the crossing of language (a human symbolic system) and support (the materiality of the nonhuman), rendering the process of meaning-making as a continuous, sensorial duration.
Chi Minseok performs an artistic form of magic that calls back the sacred dimension of the world concealed within the familiar. Grounded in the form and ethos of East Asian painting, Chi constructs a plural, multi-sensory structure that extends across painting, music, text, performance, and installation, reactivating the aesthetics of traditional religious rituals, gugak (Korean traditional music), and shamanism in a contemporary idiom. This practice uses the figuration of deities as a mediating device to visualize the interpenetration of body, object, and environment, configuring hybrid mediators. The boundary between “human/nonhuman” is rendered tactilely visible, and liminal, threshold-like moments are produced in which ritual and everyday life coexist within a single pictorial field. The inside and outside of the image—frame, five-colored lines, musical rhythm—are folded into a form of “contemporary ritual,” becoming a passage that leads viewers beyond the habitual registers of perception.
Chi’s Coca-Cola series, framed from a post-fetishist perspective, examines how capitalist commodities emerge as new gods of the present. The works follow a narrative in which a wise being—Coca-Cola—appears before humans who have lost their way in the excessive brightness of heaven and earth, emitting mysterious energy from its transparent body to open a path. The more this entity pours out its numinous power, the more paradoxically full it becomes, turning into a “bottle (甁)” capable of containing all spirits. Here, the surface of a mass-produced consumer object is re-summoned as a “ritual field” through an act of artistic sorcery. This mythic structure is retranslated through the visual languages of traditional Buddhist painting, munjado (character paintings), and ritual formats, making visible—on the plane of contemporary painting—the site where matter and spirit, capital and magic are entangled.
In GOD: The Sacred and the Profane, “sacredness” does not remain a mere emblem of authority. It is the stratum of immersion, awe, and tension that arises in moments of contact with the divine, and the works operate not simply as representations but as devices and arrangements. Conversely, “the profane” is not cast as unconditional provocation, but as a condition for transformation. As the frame of taboo is twisted, the stability of boundaries is disturbed, and what had been segregated is returned to a state of possible use. In this process, viewers come to sense that the binary of “human/nonhuman” has never been an absolute value, but a negotiable protocol.
Ultimately, GOD: The Sacred and the Profane refuses to summon “god” as a single essence. Within the multilayered web of relations woven by hybrid entities, the divine appears as a phenomenological and relational presence. Through their interaction with the works, viewers witness sacredness being embodied as a field of sensory experience, and profanity working to reconfigure regimes of norms and classification in order to open new spaces of meaning. In this process, the problematic of “sacred/secular” is reset within the entanglement of “human/nonhuman,” and boundaries function not as fixed rules but as dynamics generated by encounters—a rhythm of setting and release, transgression and reinscription.
Before such a relational and phenomenological field of the sacred, humans once again weave wishes and hopes. This is less a return to a transcendent being than a shared gesture of blessing one another’s lives and invoking a common future. The exhibition opens with a performance of Binari, a traditional Korean invocation, by vocalist and sorikkun Seo Eui-cheol, offering blessings of fortune and peace for everyone’s path ahead. Like the theme of the exhibition itself, Binaricuts across ritual and everyday life, human and nonhuman, the sacred and the secular, leaving a resonance in the bodies of viewers and throughout the space. ◼️Obscura
신성은 언제나 구별과 금지의 질서를 호출하며, 일상의 표면 위로 돌출하는 현현을 통해 세계를 다시 정초하는 순간을 만들어 낸다. 이 체험은 이성으로 환원되지 않는 전율과 매혹의 층위를 수반하고, 회화적 표면·빛·색·촉각적 질감·공간의 응답이 겹쳐지며 현전을 생성한다. 이 현현은 ‘인간/비인간’의 접면에서 더욱 뚜렷해지며, 상징은 물질적 제스처와 얽혀 감각적 사건으로 변환된다. 반면 불경은 분류 체계가 비틀리는 지점, 즉 제자리를 벗어난 것이 드러나는 균열에서 발생한다. 금기와 위반은 서로를 필요로 하고, 혐오/배제의 경계는 정체성과 질서를 동요시켜 기존의 분류를 재구성하게 만든다. 더 나아가, 성스러움으로 격리된 대상을 공용의 차원으로 되돌리는 세속화는 ‘성/속’의 틀을 ‘인간/비인간’의 얽힘 속에서 다시 보게 하는 창으로 작동한다.
이 전시는 이러한 사유를 단순 ‘재현’이 아니라 현대미술의 문법으로 확장한다. 김이박은 미신과 금기, 고사, 부적·소망 등에서 비롯된 도상과 문자를 회화적 표면과 재단된 캔버스·설치 매체에 재기입한다. 특히 〈미신과 금기〉 시리즈는 ‘문지방을 밟지 마라’, ‘베개를 세우지 마라’, ‘한숨 쉬지 마라’와 같은 일상의 작은 몸짓을 통해 신과 인간 사이에 설정된 보이지 않는 경계와 거리두기를 환기한다. 그 이유가 비이성적이라 해도 우리는 이를 알고도 쉽게 무시할 수 있을까? 금기의 언어적 규범과 지지체의 물질성이 겹쳐지는 이 지점에서 신성의 작동이 ‘말–행동–표면’의 관계 속에서 다시 사유된다.
김이박에게서 기호는 단순한 표상이 아니다. 부적 종이 위에 형상화된 상징들은 여린 드로잉의 질감을 지니며 지시나 강요의 힘을 약화시키고, 무속적·습관적·제례적·문화적 요소들이 자연스럽게 스며든 기호적 풍경을 이룬다. 그는 두려움과 금기의 이미지를 삶의 시간 속 흔적으로 되돌리고, 때로는 기억을 환기하는 부드러운 이미지로 전환한다. 이때 “신이란 인간에게 무엇인가? 우리가 믿는 것은 무엇인가?”라는 질문은 거창한 명제가 아니라, 할머니의 말 같은 작은 현실의 행동 지침으로 유희와 아이러니 속에서 되살아난다. 레이어의 중첩과 모듈 패널의 설치적 결합은 언어(인간의 상징 체계)와 지지체(비인간의 물질성)의 교차를 드러내며, 의미가 생성되는 과정을 하나의 감각적 시간으로 현전시킨다.
지민석은 익숙함 속에 가려진 세계의 신성을 다시 호출하는 예술적 주술을 수행한다. 그는 동양화의 형식과 정신을 기반으로 회화·음악·텍스트·퍼포먼스·설치로 확장되는 다원적 감각 구조를 구축하며, 전통적 종교 의례와 국악, 무속의 미학을 오늘의 언어로 재활성화한다. 이러한 작업은 신의 형상화를 매개 삼아 신체·사물·환경의 상호침투를 시각화하고, 혼성적 매개체를 구성한다. ‘인간/비인간’의 경계를 촉각적으로 가시화하고, 의례와 일상이 동일 화면에서 공존하는 ‘리미널(문턱)한’ 순간을 생산한다. 화면의 내·외부—프레임, 오색선, 음율—은 하나의 ‘현대적 의례’로 편입되며, 관객을 일상의 감각 너머로 이끄는 통로가 된다.
그의 코카콜라 시리즈는 포스트-페티시즘의 관점에서 자본주의적 물질이 현대의 새로운 신으로 출현하는 방식을 탐구한다. 작품은 천지의 지나친 밝기 속에서 길을 잃은 인간 앞에 지혜로운 존재(코카콜라)가 나타나 투명한 몸속 현묘한 기운을 뿜어 길을 만든다는 서사를 따른다. 이 존재는 신묘함을 흘려 보낼수록 되레 가득 차 모든 신령을 담는 ‘병(甁)’이 되는 역설을 지니며, 소비재의 표면을 다시 ‘의례의 장’으로 호출하는 주술적 전환을 보여준다. 이러한 신화 구조는 전통 불화와 문자도, 제례 형식을 통해 재번안되며, 물질과 영혼·자본과 주술이 뒤섞이는 지점을 현대 회화의 층위로 가시화한다.
〈신, 신성함과 불경스러움〉 전시에서의 ‘신성’은 권위의 표상에 머물지 않는다. 그것은 신과 맞닿는 순간 발생하는 몰입·경외·긴장의 층위이며, 작품은 단순 재현을 넘어 장치/배치로서의 작동성을 획득한다. 반대로 ‘불경’은 무조건적 도발이 아니라 전환의 조건이다. 금기의 프레임을 비틀고, 경계의 안정성을 교란하며, 분리된 것을 다시 사용 가능하도록 환원하는 과정 속에서, 관객은 ‘인간/비인간’의 이분법이 절대값이 아니라 조정 가능한 프로토콜이었음을 경험한다.
결국 〈신, 신성함과 불경스러움〉은 신을 단일한 본질로 호명하지 않는다. 혼성의 존재들이 빚어내는 다층적 관계망 속에서 신은 현상적·관계적 존재로 출현한다. 관객은 작품과의 상호작용 속에서, 신성이 감각–경험의 장으로 체현되고 불경이 규범·분류의 장치를 전환하여 새로운 의미의 공간을 개방하는 장면을 목격하게 될 것이다. 이때 ‘성/속’의 문제틀은 ‘인간/비인간’의 얽힘 속에서 재설정되며, 경계는 고정 규칙이 아니라 ‘만남이 만들어내는 역학’—설정과 해제, 위반과 재기입의 리듬—으로 작동한다.
그리고 이러한 관계적·현상적 신성의 장 앞에서 인간들은 다시금 소망과 희망을 엮는다. 이는 초월적 존재로의 회귀가 아니라 서로의 삶을 축복하고 미래를 기원하는 공동의 몸짓에 가깝다. 전시는 서의철 소리꾼의 ‘비나리’를 통해 모든 이들의 앞날에 복(福)과 평안을 기원하는 오프닝 퍼포먼스로 문을 연다. ‘비나리’는 이 전시의 주제처럼 의례와 일상, 인간과 비인간, 신성함과 세속성을 가로지르며 관객의 몸과 공간에 울림을 남긴다.◼️옵스큐라
From December 3 to 20, OBSCURA presents GOD: The Sacred and the Profane, a two-person exhibition by artists Kim Lee Park and Chi Minseok. The exhibition approaches “god” not as a fixed entity, but as a figuration that emerges through relations and lived experience. It explores scenes in which hybrid beings appear within a field where humans, nonhumans, objects, nature, and technology are interwoven. In this field, the sacred and the profane are not stable essences but configurations that arise—like events—from encounters and tensions in which meaning, form, sensation, and norms are continually rearranged. In particular, at the point of contact between “human/nonhuman,” the terrain of affect and agency is reshaped, and viewing shifts beyond representation toward an experience of “operation” and inner activation.
The sacred always invokes an order of separation and prohibition, producing moments that re-found the world through eruptions of manifestation onto the surface of the everyday. Such experiences carry a stratum of tremor and fascination irreducible to reason, as painterly surface, light, color, tactile texture, and spatial resonance overlap to generate presence. This manifestation becomes especially pronounced along the interface of “human/nonhuman,” where symbols become entangled with material gestures and are converted into sensorial events. The profane, by contrast, arises where systems of classification twist—where things slip out of place and reveal fissures. Taboo and transgression depend on one another; the boundaries of disgust and exclusion unsettle identity and order, forcing existing classifications to be reorganized. Furthermore, processes of secularization—through which objects quarantined as sacred are returned to a shared, common domain—operate as a lens that allows the schema of “sacred/profane” to be re-examined within the entanglement of “human/nonhuman.”
This exhibition extends such thinking not as mere “representation,” but as a grammar of contemporary art. Kim Lee Park re-inscribes motifs and texts drawn from superstitions, taboos, old tales, talismans, and wishes onto painterly surfaces, cut canvases, and installation-based media. In particular, the Superstitions and Taboos series recalls the invisible boundaries and distances set up between humans and gods through small everyday gestures such as “Don’t step on the threshold,” “Don’t stand your pillow upright,” and “Don’t sigh.” Even if the reasons behind such instructions seem irrational, can we easily ignore them once we know them? At the point where the linguistic norms of taboo and the materiality of their supports overlap, the workings of the sacred are reconsidered through the relationship between word, action, and surface.
For Kim, signs are never mere representations. Symbols rendered on talisman paper carry the delicate texture of drawing, softening the force of instruction or command and forming a symbolic landscape into which shamanistic, habitual, ritual, and cultural elements naturally seep. The artist returns images of fear and taboo to traces within the time of everyday life, and at times transforms them into gentle images that trigger memory. In this register, questions such as “What is a god to humans? What is it that we believe?” do not remain grand metaphysical propositions, but resurface as small, practical guidelines for living—like something a grandmother might say—revived through play and irony. The overlapping of layers and the modular combination of panels as installation reveal the crossing of language (a human symbolic system) and support (the materiality of the nonhuman), rendering the process of meaning-making as a continuous, sensorial duration.
Chi Minseok performs an artistic form of magic that calls back the sacred dimension of the world concealed within the familiar. Grounded in the form and ethos of East Asian painting, Chi constructs a plural, multi-sensory structure that extends across painting, music, text, performance, and installation, reactivating the aesthetics of traditional religious rituals, gugak (Korean traditional music), and shamanism in a contemporary idiom. This practice uses the figuration of deities as a mediating device to visualize the interpenetration of body, object, and environment, configuring hybrid mediators. The boundary between “human/nonhuman” is rendered tactilely visible, and liminal, threshold-like moments are produced in which ritual and everyday life coexist within a single pictorial field. The inside and outside of the image—frame, five-colored lines, musical rhythm—are folded into a form of “contemporary ritual,” becoming a passage that leads viewers beyond the habitual registers of perception.
Chi’s Coca-Cola series, framed from a post-fetishist perspective, examines how capitalist commodities emerge as new gods of the present. The works follow a narrative in which a wise being—Coca-Cola—appears before humans who have lost their way in the excessive brightness of heaven and earth, emitting mysterious energy from its transparent body to open a path. The more this entity pours out its numinous power, the more paradoxically full it becomes, turning into a “bottle (甁)” capable of containing all spirits. Here, the surface of a mass-produced consumer object is re-summoned as a “ritual field” through an act of artistic sorcery. This mythic structure is retranslated through the visual languages of traditional Buddhist painting, munjado (character paintings), and ritual formats, making visible—on the plane of contemporary painting—the site where matter and spirit, capital and magic are entangled.
In GOD: The Sacred and the Profane, “sacredness” does not remain a mere emblem of authority. It is the stratum of immersion, awe, and tension that arises in moments of contact with the divine, and the works operate not simply as representations but as devices and arrangements. Conversely, “the profane” is not cast as unconditional provocation, but as a condition for transformation. As the frame of taboo is twisted, the stability of boundaries is disturbed, and what had been segregated is returned to a state of possible use. In this process, viewers come to sense that the binary of “human/nonhuman” has never been an absolute value, but a negotiable protocol.
Ultimately, GOD: The Sacred and the Profane refuses to summon “god” as a single essence. Within the multilayered web of relations woven by hybrid entities, the divine appears as a phenomenological and relational presence. Through their interaction with the works, viewers witness sacredness being embodied as a field of sensory experience, and profanity working to reconfigure regimes of norms and classification in order to open new spaces of meaning. In this process, the problematic of “sacred/secular” is reset within the entanglement of “human/nonhuman,” and boundaries function not as fixed rules but as dynamics generated by encounters—a rhythm of setting and release, transgression and reinscription.
Before such a relational and phenomenological field of the sacred, humans once again weave wishes and hopes. This is less a return to a transcendent being than a shared gesture of blessing one another’s lives and invoking a common future. The exhibition opens with a performance of Binari, a traditional Korean invocation, by vocalist and sorikkun Seo Eui-cheol, offering blessings of fortune and peace for everyone’s path ahead. Like the theme of the exhibition itself, Binaricuts across ritual and everyday life, human and nonhuman, the sacred and the secular, leaving a resonance in the bodies of viewers and throughout the space. ◼️Obscura
김이박(b.1982)은 미신·금기·무속적 상징과 식물적 감수성을 여린 드로잉과 설치적 구성으로 재해석하며 일상의 작은 몸짓 속에 스며든 정서·의례·문화적 층위를 탐구해온 작가다. 그는 《섬망》(2025, 고양예술창작공간 새들), 《쌍가마》(2023, 해움), 《당신의 정원》(2020, 북서울미술관) 등 개인전을 통해 자연·주술·일상성의 경계를 재배열하는 조형 세계를 확장해왔으며, 국립현대미술관, 부산시립미술관, 성남큐브미술관, 서울식물원, 장욱진미술관 등 여러 기관에서의 전시를 진행하였다. 또한 고양예술창작공간 해움 1기(2022–23)와 새들 2기(2024) 입주작가로 선정된 바 있다. 계원디자인예술대학 화훼디자인과, 성균관대학교 미술대학 및 동대학원을 졸업하였다.
지민석(b.1990)은 한국의 전통 종교 의례, 무속의 미학, 국악적 리듬을 기반으로 회화·설치·텍스트·퍼포먼스를 넘나들며 익숙함 속에 가려진 세계의 신성을 다시 호출하는 작업을 지속해온 작가다. 그는 멕시코와 한국을 오가며 형성된 문화적 감각과 포스트-페티시즘적 시각을 통해 자본주의적 물질, 브랜드, 상징을 현대적 ‘의례의 장’으로 재맥락화하며, 물질·영혼·주술·자본이 뒤섞이는 새로운 감각 구조를 구축해왔다. 최근 개인전 《코신제례》(2024, 챔버, 서울)와 《코신지도》(2025, 바예 데 브라보 시립 문화원, 멕시코)를 통해 코카콜라를 ‘현대의 신’으로 재해석한 회화·설치·퍼포먼스 시리즈를 선보였으며, 멕시코 국립대, 멕시코 한국문화원, 파추카 시립미술관, 티후아나 트리엔날 등 다양한 기관 전시에 참여하며 국제적으로 활동을 확장하고 있다. 2024 홍티아트센터 입주작가, 2025 Rondo Residency(멕시코시티)·담양 추자혜 레지던시 등에 선정되었다. 성균관대학교 미술학과 동양화과와 유학대학 유학동양학과를 졸업하고 멕시코 국립 자치 대학교(UNAM) 미술학과 석사를 졸업하였다.
Kim Lee Park (b. 1982) explores the emotional, ritual, and cultural layers embedded in small everyday gestures, reinterpreting superstitions, taboos, shamanistic symbols, and a plant-like sensitivity through delicate drawing and installation-based compositions. Through solo exhibitions such as Delirium (2025, Goyang Art Creation Studio Saedeul), Twin Palanquin (2023, Haeum), and Your Garden (2020, Buk-Seoul Museum of Art), Kim has extended a visual world that rearranges the boundaries between nature, magic, and everyday life. The artist has participated in exhibitions at institutions including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Busan Museum of Art, Seongnam Cube Art Museum, Seoul Botanic Park, and the Jang Ucchin Museum of Art. Kim has been selected as an artist-in-residence at Goyang Art Creation Studio Haeum (1st cohort, 2022–23) and Saedeul (2nd cohort, 2024). Kim studied Floral Design at Kaywon University of Art & Design and received both BFA and MFA degrees from the College of Art at Sungkyunkwan University.
Chi Minseok (b. 1990) works across painting, installation, text, and performance to call back the latent sacredness of the world hidden within the familiar, drawing on traditional Korean religious rituals, shamanistic aesthetics, and the rhythms of gugak. Moving between Mexico and Korea, Chi has developed a cultural sensibility and post-fetishist perspective that recontextualize capitalist commodities, brands, and symbols as contemporary “ritual fields,” constructing new sensory structures in which matter, spirit, magic, and capital intermingle. Recent solo exhibitions include Kosin Rite (2024, CHAMBER, Seoul) and Kosin Map (2025, Valle de Bravo Municipal Cultural Center, Mexico), which presented a series of paintings, installations, and performances that reimagine Coca-Cola as a “modern deity.” Ji has participated in a wide range of institutional exhibitions at venues such as the National Autonomous University of Mexico (UNAM), the Korean Cultural Center in Mexico, Pachuca Municipal Museum, and the Tijuana Triennial, among others. Chi was an artist-in-residence at Hongti Art Center in 2024, and has been selected for Rondo Residency (Mexico City) and the Damyang Chuja-hye Residency in 2025. The artist studied Oriental Painting in the Department of Fine Arts and Eastern Philosophy at the College of Confucian Studies and Eastern Philosophy at Sungkyunkwan University, and holds an MFA from the School of Art at the National Autonomous University of Mexico (UNAM).
지민석(b.1990)은 한국의 전통 종교 의례, 무속의 미학, 국악적 리듬을 기반으로 회화·설치·텍스트·퍼포먼스를 넘나들며 익숙함 속에 가려진 세계의 신성을 다시 호출하는 작업을 지속해온 작가다. 그는 멕시코와 한국을 오가며 형성된 문화적 감각과 포스트-페티시즘적 시각을 통해 자본주의적 물질, 브랜드, 상징을 현대적 ‘의례의 장’으로 재맥락화하며, 물질·영혼·주술·자본이 뒤섞이는 새로운 감각 구조를 구축해왔다. 최근 개인전 《코신제례》(2024, 챔버, 서울)와 《코신지도》(2025, 바예 데 브라보 시립 문화원, 멕시코)를 통해 코카콜라를 ‘현대의 신’으로 재해석한 회화·설치·퍼포먼스 시리즈를 선보였으며, 멕시코 국립대, 멕시코 한국문화원, 파추카 시립미술관, 티후아나 트리엔날 등 다양한 기관 전시에 참여하며 국제적으로 활동을 확장하고 있다. 2024 홍티아트센터 입주작가, 2025 Rondo Residency(멕시코시티)·담양 추자혜 레지던시 등에 선정되었다. 성균관대학교 미술학과 동양화과와 유학대학 유학동양학과를 졸업하고 멕시코 국립 자치 대학교(UNAM) 미술학과 석사를 졸업하였다.
Kim Lee Park (b. 1982) explores the emotional, ritual, and cultural layers embedded in small everyday gestures, reinterpreting superstitions, taboos, shamanistic symbols, and a plant-like sensitivity through delicate drawing and installation-based compositions. Through solo exhibitions such as Delirium (2025, Goyang Art Creation Studio Saedeul), Twin Palanquin (2023, Haeum), and Your Garden (2020, Buk-Seoul Museum of Art), Kim has extended a visual world that rearranges the boundaries between nature, magic, and everyday life. The artist has participated in exhibitions at institutions including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Busan Museum of Art, Seongnam Cube Art Museum, Seoul Botanic Park, and the Jang Ucchin Museum of Art. Kim has been selected as an artist-in-residence at Goyang Art Creation Studio Haeum (1st cohort, 2022–23) and Saedeul (2nd cohort, 2024). Kim studied Floral Design at Kaywon University of Art & Design and received both BFA and MFA degrees from the College of Art at Sungkyunkwan University.
Chi Minseok (b. 1990) works across painting, installation, text, and performance to call back the latent sacredness of the world hidden within the familiar, drawing on traditional Korean religious rituals, shamanistic aesthetics, and the rhythms of gugak. Moving between Mexico and Korea, Chi has developed a cultural sensibility and post-fetishist perspective that recontextualize capitalist commodities, brands, and symbols as contemporary “ritual fields,” constructing new sensory structures in which matter, spirit, magic, and capital intermingle. Recent solo exhibitions include Kosin Rite (2024, CHAMBER, Seoul) and Kosin Map (2025, Valle de Bravo Municipal Cultural Center, Mexico), which presented a series of paintings, installations, and performances that reimagine Coca-Cola as a “modern deity.” Ji has participated in a wide range of institutional exhibitions at venues such as the National Autonomous University of Mexico (UNAM), the Korean Cultural Center in Mexico, Pachuca Municipal Museum, and the Tijuana Triennial, among others. Chi was an artist-in-residence at Hongti Art Center in 2024, and has been selected for Rondo Residency (Mexico City) and the Damyang Chuja-hye Residency in 2025. The artist studied Oriental Painting in the Department of Fine Arts and Eastern Philosophy at the College of Confucian Studies and Eastern Philosophy at Sungkyunkwan University, and holds an MFA from the School of Art at the National Autonomous University of Mexico (UNAM).
신, 신성함과 불경스러움
GOD: The Sacred and the Profane
김이박 · 지민석
Kim Lee Park · Chi Minseok
2025.12.3 WED – 12.20. SAT
옵스큐라 양재
서울시 서초구 강남대로 8길 46
📍Opening Reception
2025.12.3. 4:00-6:00 P.M.
‘비나리’ 퍼포먼스 6:00 P.M.
📍Open hours
화-토 11:00-18:00
GOD: The Sacred and the Profane
김이박 · 지민석
Kim Lee Park · Chi Minseok
2025.12.3 WED – 12.20. SAT
옵스큐라 양재
서울시 서초구 강남대로 8길 46
📍Opening Reception
2025.12.3. 4:00-6:00 P.M.
‘비나리’ 퍼포먼스 6:00 P.M.
📍Open hours
화-토 11:00-18:00