세바스찬 레트너(b.1982)
세바스찬 레트너는 독일의 추상 회화의 전통 아래서 색, 면, 선을 통해 형상을 단순화하고 조형적 본질을 추구하는 작업을 하고 있다. 자연물에서 많은 영감을 받는 그의 작업은 형태의 균형과 공백 그리고 자유 몸짓의 자발성이 상호작용하여 나온 대화의 결과물이다. 회화적 작업 외에도 설치와 문학적 시를 통해 작업을 확장하고 있다.
뮌헨 예술대학(University of Fine Arts Munich, Germany)에서 학위(Diploma)를 받았고 콤플루텐세 마드리드 대학교(University Complutense Madrid, Spain)에서 미술대학에서 교환과정을 이수했다. 갤러리 토마스 훅스(Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart, Germany), 갤러리 타티아나 쿠로치나(Gallery Tatiana Kurochkina, Barcelona, Spain), 루즈 아트 갤러리(LuzArt Gallery, Florence, Italy) 등에서 개인전을 진행하였다. 최근 스페인 안드라텍스의 레지던스 프로그램 CCA (2021, Spain)에 아티스트로 참가하였다.
베를린에서 거주하며 활동하는 세바스찬 레트너는 옵스큐라와 참여하는 2022년 키아프에서 물감의 물질성과 드로잉을 절묘하게 연결하는 자연물 연작을 선보인다.
Sebastian Lettner(b.1982)
Sebastian Lettner works inbetween abstract and figurative painting, simplifying structures and shapes with colors and lines, pursuing formative essence. In his work, partly inspired by nature, he strives for a balance of reduction to the essentials and a strong presence, raised by spontaneous gestures and brush strokes. His work is expanding from painting to installation and poetry.
He received his Diploma at the University of Fine Arts Munich, Germany and completed an exchange year at the Universidad of Complutense Madrid, Spain. He had solo exhibitions, among others at Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart, Germany, Gallery Tatiana Kurochkina, Barcelona, Spain, Luz Art Gallery, Florence, Italy. Lately including also the CCA artist in residence program in Andratx, Spain.
Sebastian Lettner lives and works in Berlin, Germany. In 2022, Kiaf+, which participates with Obscura, he will present a series of paintings, which focus on elements of nature and the interaction of gestures with their shapes.
세바스찬 레트너는 독일의 추상 회화의 전통 아래서 색, 면, 선을 통해 형상을 단순화하고 조형적 본질을 추구하는 작업을 하고 있다. 자연물에서 많은 영감을 받는 그의 작업은 형태의 균형과 공백 그리고 자유 몸짓의 자발성이 상호작용하여 나온 대화의 결과물이다. 회화적 작업 외에도 설치와 문학적 시를 통해 작업을 확장하고 있다.
뮌헨 예술대학(University of Fine Arts Munich, Germany)에서 학위(Diploma)를 받았고 콤플루텐세 마드리드 대학교(University Complutense Madrid, Spain)에서 미술대학에서 교환과정을 이수했다. 갤러리 토마스 훅스(Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart, Germany), 갤러리 타티아나 쿠로치나(Gallery Tatiana Kurochkina, Barcelona, Spain), 루즈 아트 갤러리(LuzArt Gallery, Florence, Italy) 등에서 개인전을 진행하였다. 최근 스페인 안드라텍스의 레지던스 프로그램 CCA (2021, Spain)에 아티스트로 참가하였다.
베를린에서 거주하며 활동하는 세바스찬 레트너는 옵스큐라와 참여하는 2022년 키아프에서 물감의 물질성과 드로잉을 절묘하게 연결하는 자연물 연작을 선보인다.
Sebastian Lettner(b.1982)
Sebastian Lettner works inbetween abstract and figurative painting, simplifying structures and shapes with colors and lines, pursuing formative essence. In his work, partly inspired by nature, he strives for a balance of reduction to the essentials and a strong presence, raised by spontaneous gestures and brush strokes. His work is expanding from painting to installation and poetry.
He received his Diploma at the University of Fine Arts Munich, Germany and completed an exchange year at the Universidad of Complutense Madrid, Spain. He had solo exhibitions, among others at Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart, Germany, Gallery Tatiana Kurochkina, Barcelona, Spain, Luz Art Gallery, Florence, Italy. Lately including also the CCA artist in residence program in Andratx, Spain.
Sebastian Lettner lives and works in Berlin, Germany. In 2022, Kiaf+, which participates with Obscura, he will present a series of paintings, which focus on elements of nature and the interaction of gestures with their shapes.
Artist Interview
1. Your work has natural materials, so please tell us more about it. Also, please let us know about the subject or object you want to do in the future.
A: When it is said that as an artist you try to depict reality or that this occupation with reality is the main drive of artistic work, then you must also ask yourself what reality means or in which way you get hold of it. For me, the perception of the world around me is always most intense, the content of reality is at its greatest, when it is sensory perception. Hearing, smelling, tasting and feeling are the most direct access to the world. Because of that I feel a deep connection with natural materials as nature activates our senses the most.
I love to work with found materials as they already are part of the reality around me and contain time and their history within them. I am building pictures out of leftovers, as fragmented and porous as possible, so they will represent my emotional access to the world and remain open at the same time to the emotional access of other people.
Creating a dialogue by putting things together, organizing and reorganizing them in response to a room or a place has become more and more important to me. So in the the future I would love to work more in direct response to a certain place and make painting become installation - expanding into the exhibition space.
2. I understand you are also writing poems. Please tell me about the relationship between poetry and painting, and the reason for artistic activities in two media.
A: The necessity of still making images, arises only in the form of exchange. In that way it becomes something rather like poetry, visual poetry, based on all the accidental discoveries and unpredictable accidents that naturally happen in the process of the making.
Painting means emotional access to my surroundings.
In poetry you always need a blank space around your words, which will enable them to radiate fully and it is this void in which I am mostly interested in, as an artist, mostly as a painter, but also as a poet. It is just to a certain point that the artist will be able to decide how what is shown will be perceived and how the interaction of colors, shapes and light creates this very particular meaning.
Poetry is a very open field and openness means freedom, that's all I am looking for in my creative process and in my life as an artist. In this way poetry and painting function in the same way and go together naturally. When I am painting I try to do it as a poet and when I am writing I try to do it as a painter.
3. Please introduce your poem that goes well with the works introduced in this exhibition. (We prefer to understand in English.)
A: To me all my poems are deeply connected to my paintings as they represent my way of thinking, so it's difficult for me to choose a special one.
But as my poetry is dealing a lot with meaning of words in German language I will present you one that seems easier to translate for me into english – please note, that any translation will always just be a different interpretation of the original poem.
The following one is relating to the famous haiku from Mizuta Masahide:
Zeit ohne Zeit
Mit Zeit
Deine Zeile
Umschreibt mich
Deine Zeile
Verzeichnet sich
Deine Zeile
Verbrennt meinen Schuppen
(Ich lieg unter Sternen und warte)
Time without Time
With Time
Your Line
Paraphrases me
Your Line
Sketches wrongly
Your Line
Burns my Barn
(Lying underneath the stars and waiting )
작가 인터뷰
1. 자연으로부터 온 소재로 작업을 진행하는데 그 소재에 관심있는 이유는 무엇인가요? 전반적인 작품의 주제에 대해 알고 싶습니다.
A: 제게 주변의 세계에 대한 인식은 항상 가장 강렬하게 작용하고, 현실의 내용은 감각적 인식일 때 크게 다가옵니다. 청각, 후각, 맛, 촉각은 세상을 느끼는 가장 직접적인 방식으로 저는 이 감각을 가장 활성화 시키는 것이 자연이라고 생각합니다. 그래서 저는 자연으로부터 온 물질로부터 서로 연결되어 있다는 것을 느낍니다.
제가 발견한 소재들은 제 주변의 현실의 일부이고 그 안에 시간과 그들의 역사를 담고 있기 때문에 그것들로 작업하는 것을 좋아합니다. 저는 조각나고 구멍이 많은 남은 음식들로 사진을 찍고 있습니다. 제가 선택한 소재들은 세상에 대한 저의 감성적 접근을 나타내고 동시에 감상자의 감성적 접근을 위해 열린 상태를 유지할 것입니다.
방이나 장소에 대응하여 사물을 종합하고 정리하고 재구성하여 대화를 만들어 내는 것이 제 작업에서는 점점 더 중요해집니다. 그래서 앞으로는 특정 장소에 대한 직접적인 대응으로 더 많은 작업을 해서 확장하고 싶습니다.
2. 당신은 또한 시를 쓰는 것으로 알고 있습니다. 시와 회화 사이의 관계성에 대해 그리고 두 가지 매체를 통해 활동하는 이유는 무엇입니까?
A: 이미지를 만들어야 하는 필요성은 오직 상호작용의 형식에서만 발생한다고 생각합니다. 이러한 과정에서 자연스럽게 일어나는 모든 우연한 발견과 예측할 수 없는 사고의 근원은 시, 시각적인 시와 같은 것이 됩니다.
회화는 제 주변 환경에 대한 감정적인 접근을 의미합니다. 시에서는 항상 단어 주위에 공백이 필요합니다. 단어들이 완전히 방사될 수 있게 해 줄 것입니다. 그리고 제가 예술가로서, 주로 화가로서, 그리고 시인으로서 가장 관심을 갖는 것은 바로 이 공백입니다. 예술가가 보여지는 것이 어떻게 인식될지, 그리고 색깔, 모양, 빛의 상호작용이 이 특별한 의미를 어떻게 만들어낼지를 결정할 수 있을 것입니다.
시는 매우 개방적인 분야이고 개방성은 자유를 의미하며, 그것이 제가 창작 과정과 예술가로서의 삶에서 찾고 있는 전부입니다. 이처럼 시와 그림은 같은 기능을 하며 자연스럽게 어울립니다. 저는 그림을 그릴 때 시인으로 그리고 글을 쓸 때 화가로서 그림을 그리려고 노력합니다.
3. 당신에 시에 대하여 소개부탁드립니다.
A: 저의 시는 제 사고방식을 대표하기 때문에 저의 회화와 깊은 관련이 있습니다. 그렇지만 특별하게 소개시킬 시를 선택하기는 쉽지 않습니다. 주로 독일어로 된 단어의 의미를 많이 다루는 시이기 때문입니다. (제가 영어로 번역하기 더 쉬워 보이는 것을 보여드리겠습니다. 어떤 번역도 항상 원래의 시의 다른 해석일 뿐이라는 점에 유의하십시오.)
다음은 미즈타 마사히데의 유명한 하이쿠에 관한 것이다.
Zeit ohne Zeit
Mit Zeit
Deine Zeile
Umschreibt mich
Deine Zeile
Verzeichnet sich
Deine Zeile
Verbrennt meinen Schuppen
(Ich lieg unter Sternen und warte)
Time without Time
With Time
Your Line
Paraphrases me
Your Line
Sketches wrongly
Your Line
Burns my Barn
(Lying underneath the stars and waiting )
1. Your work has natural materials, so please tell us more about it. Also, please let us know about the subject or object you want to do in the future.
A: When it is said that as an artist you try to depict reality or that this occupation with reality is the main drive of artistic work, then you must also ask yourself what reality means or in which way you get hold of it. For me, the perception of the world around me is always most intense, the content of reality is at its greatest, when it is sensory perception. Hearing, smelling, tasting and feeling are the most direct access to the world. Because of that I feel a deep connection with natural materials as nature activates our senses the most.
I love to work with found materials as they already are part of the reality around me and contain time and their history within them. I am building pictures out of leftovers, as fragmented and porous as possible, so they will represent my emotional access to the world and remain open at the same time to the emotional access of other people.
Creating a dialogue by putting things together, organizing and reorganizing them in response to a room or a place has become more and more important to me. So in the the future I would love to work more in direct response to a certain place and make painting become installation - expanding into the exhibition space.
2. I understand you are also writing poems. Please tell me about the relationship between poetry and painting, and the reason for artistic activities in two media.
A: The necessity of still making images, arises only in the form of exchange. In that way it becomes something rather like poetry, visual poetry, based on all the accidental discoveries and unpredictable accidents that naturally happen in the process of the making.
Painting means emotional access to my surroundings.
In poetry you always need a blank space around your words, which will enable them to radiate fully and it is this void in which I am mostly interested in, as an artist, mostly as a painter, but also as a poet. It is just to a certain point that the artist will be able to decide how what is shown will be perceived and how the interaction of colors, shapes and light creates this very particular meaning.
Poetry is a very open field and openness means freedom, that's all I am looking for in my creative process and in my life as an artist. In this way poetry and painting function in the same way and go together naturally. When I am painting I try to do it as a poet and when I am writing I try to do it as a painter.
3. Please introduce your poem that goes well with the works introduced in this exhibition. (We prefer to understand in English.)
A: To me all my poems are deeply connected to my paintings as they represent my way of thinking, so it's difficult for me to choose a special one.
But as my poetry is dealing a lot with meaning of words in German language I will present you one that seems easier to translate for me into english – please note, that any translation will always just be a different interpretation of the original poem.
The following one is relating to the famous haiku from Mizuta Masahide:
Zeit ohne Zeit
Mit Zeit
Deine Zeile
Umschreibt mich
Deine Zeile
Verzeichnet sich
Deine Zeile
Verbrennt meinen Schuppen
(Ich lieg unter Sternen und warte)
Time without Time
With Time
Your Line
Paraphrases me
Your Line
Sketches wrongly
Your Line
Burns my Barn
(Lying underneath the stars and waiting )
작가 인터뷰
1. 자연으로부터 온 소재로 작업을 진행하는데 그 소재에 관심있는 이유는 무엇인가요? 전반적인 작품의 주제에 대해 알고 싶습니다.
A: 제게 주변의 세계에 대한 인식은 항상 가장 강렬하게 작용하고, 현실의 내용은 감각적 인식일 때 크게 다가옵니다. 청각, 후각, 맛, 촉각은 세상을 느끼는 가장 직접적인 방식으로 저는 이 감각을 가장 활성화 시키는 것이 자연이라고 생각합니다. 그래서 저는 자연으로부터 온 물질로부터 서로 연결되어 있다는 것을 느낍니다.
제가 발견한 소재들은 제 주변의 현실의 일부이고 그 안에 시간과 그들의 역사를 담고 있기 때문에 그것들로 작업하는 것을 좋아합니다. 저는 조각나고 구멍이 많은 남은 음식들로 사진을 찍고 있습니다. 제가 선택한 소재들은 세상에 대한 저의 감성적 접근을 나타내고 동시에 감상자의 감성적 접근을 위해 열린 상태를 유지할 것입니다.
방이나 장소에 대응하여 사물을 종합하고 정리하고 재구성하여 대화를 만들어 내는 것이 제 작업에서는 점점 더 중요해집니다. 그래서 앞으로는 특정 장소에 대한 직접적인 대응으로 더 많은 작업을 해서 확장하고 싶습니다.
2. 당신은 또한 시를 쓰는 것으로 알고 있습니다. 시와 회화 사이의 관계성에 대해 그리고 두 가지 매체를 통해 활동하는 이유는 무엇입니까?
A: 이미지를 만들어야 하는 필요성은 오직 상호작용의 형식에서만 발생한다고 생각합니다. 이러한 과정에서 자연스럽게 일어나는 모든 우연한 발견과 예측할 수 없는 사고의 근원은 시, 시각적인 시와 같은 것이 됩니다.
회화는 제 주변 환경에 대한 감정적인 접근을 의미합니다. 시에서는 항상 단어 주위에 공백이 필요합니다. 단어들이 완전히 방사될 수 있게 해 줄 것입니다. 그리고 제가 예술가로서, 주로 화가로서, 그리고 시인으로서 가장 관심을 갖는 것은 바로 이 공백입니다. 예술가가 보여지는 것이 어떻게 인식될지, 그리고 색깔, 모양, 빛의 상호작용이 이 특별한 의미를 어떻게 만들어낼지를 결정할 수 있을 것입니다.
시는 매우 개방적인 분야이고 개방성은 자유를 의미하며, 그것이 제가 창작 과정과 예술가로서의 삶에서 찾고 있는 전부입니다. 이처럼 시와 그림은 같은 기능을 하며 자연스럽게 어울립니다. 저는 그림을 그릴 때 시인으로 그리고 글을 쓸 때 화가로서 그림을 그리려고 노력합니다.
3. 당신에 시에 대하여 소개부탁드립니다.
A: 저의 시는 제 사고방식을 대표하기 때문에 저의 회화와 깊은 관련이 있습니다. 그렇지만 특별하게 소개시킬 시를 선택하기는 쉽지 않습니다. 주로 독일어로 된 단어의 의미를 많이 다루는 시이기 때문입니다. (제가 영어로 번역하기 더 쉬워 보이는 것을 보여드리겠습니다. 어떤 번역도 항상 원래의 시의 다른 해석일 뿐이라는 점에 유의하십시오.)
다음은 미즈타 마사히데의 유명한 하이쿠에 관한 것이다.
Zeit ohne Zeit
Mit Zeit
Deine Zeile
Umschreibt mich
Deine Zeile
Verzeichnet sich
Deine Zeile
Verbrennt meinen Schuppen
(Ich lieg unter Sternen und warte)
Time without Time
With Time
Your Line
Paraphrases me
Your Line
Sketches wrongly
Your Line
Burns my Barn
(Lying underneath the stars and waiting )
Sebastian Lettner
born 1982 in Straubing, lives and works in Berlin, DE
Education
2004 – 2011 University of Fine Arts Munich, Diploma, Masterstudent, DE
Class of Sean Scully and Günther Förg
2007 University Complutense Madrid, Faculdad de Bellas Artes, ES
Solo Exhibitions
2022 "Das Verbotene Licht", Salon am Moritzplatz, Berlin, DE
"ciel à la carte", Bark Berlin Gallery Lab, DE
"Faltvogel", Berlin, DE
2021 "passage", interface, Berlin, DE
"plein soleil", CCA Andtratx, ES
2019 "das Auge hört", Kraftzentrale Straubing DE
"dialogue", Munich DE
2015 "eclisse", Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart, DE
2014 "palermo", Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart, DE
2013 "room1", Gallery Tatiana Kourochkina, Barcelona, ES
2012 "Pittura", LuzArt Gallery, Florenz, IT
2006- 2011 Hotel Kabara, Gallery Halle 2 Alter Schlachthof, Straubing, DE
Selected Group Exhibition
2022 "TerrainVague", Berlin, DE
2019 "herde", München DE
2017 "the flying field", Berlin DE
"Uferhallen", Berlin DE
2016 "GRSSRNS", Munich DE
"Grün II", Gallery Klaus Gerrit Friese, Berlin DE
"Standby", Orangerie Schloss Rheda, Rheda-Weidenbrück DE
2012 "Teer und Federn", Marquee, Berlin, DE
2006- 2011 "Das Herr Winkelhuber Stipendium", Weltraum, Munich, DE
"Weltraum Jahresüberblick", Lothringer13, Munich, DE
"Neuland", Munich, DE
"17072008", Gallery Zink and Galerie Grimm, Munich, DE
"Spielsucht", Weltraum, Munich, DE
Awards & Residencies
Artist in Residency, CCA Andratx, Mallorca, ES
Cultural Sponsorship-Award for painting, Straubing DE
Scholarship Fanny-Carlita-Stiftung Munich, DE
Publication
Faltvogel, 2022 Artist Book, Poetry, Berlin
Das Verbotene Licht, 2022 Artist Book, Berlin
Palermo, 2014 Catalog, Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart
17072008, Catalog, Gallery Zink/ Gallery Grimm, Munich
born 1982 in Straubing, lives and works in Berlin, DE
Education
2004 – 2011 University of Fine Arts Munich, Diploma, Masterstudent, DE
Class of Sean Scully and Günther Förg
2007 University Complutense Madrid, Faculdad de Bellas Artes, ES
Solo Exhibitions
2022 "Das Verbotene Licht", Salon am Moritzplatz, Berlin, DE
"ciel à la carte", Bark Berlin Gallery Lab, DE
"Faltvogel", Berlin, DE
2021 "passage", interface, Berlin, DE
"plein soleil", CCA Andtratx, ES
2019 "das Auge hört", Kraftzentrale Straubing DE
"dialogue", Munich DE
2015 "eclisse", Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart, DE
2014 "palermo", Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart, DE
2013 "room1", Gallery Tatiana Kourochkina, Barcelona, ES
2012 "Pittura", LuzArt Gallery, Florenz, IT
2006- 2011 Hotel Kabara, Gallery Halle 2 Alter Schlachthof, Straubing, DE
Selected Group Exhibition
2022 "TerrainVague", Berlin, DE
2019 "herde", München DE
2017 "the flying field", Berlin DE
"Uferhallen", Berlin DE
2016 "GRSSRNS", Munich DE
"Grün II", Gallery Klaus Gerrit Friese, Berlin DE
"Standby", Orangerie Schloss Rheda, Rheda-Weidenbrück DE
2012 "Teer und Federn", Marquee, Berlin, DE
2006- 2011 "Das Herr Winkelhuber Stipendium", Weltraum, Munich, DE
"Weltraum Jahresüberblick", Lothringer13, Munich, DE
"Neuland", Munich, DE
"17072008", Gallery Zink and Galerie Grimm, Munich, DE
"Spielsucht", Weltraum, Munich, DE
Awards & Residencies
Artist in Residency, CCA Andratx, Mallorca, ES
Cultural Sponsorship-Award for painting, Straubing DE
Scholarship Fanny-Carlita-Stiftung Munich, DE
Publication
Faltvogel, 2022 Artist Book, Poetry, Berlin
Das Verbotene Licht, 2022 Artist Book, Berlin
Palermo, 2014 Catalog, Gallery Thomas Fuchs, Stuttgart
17072008, Catalog, Gallery Zink/ Gallery Grimm, Munich